El artista en su estudio de Berlín. AFP / John Macdougall.
El artista y activista chino Ai Weiwei (Beijing, 1957), una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo, llegará a la Argentina a fines de julio para proyectar la primera gran exposición retrospectiva de su obra en Sudamérica, que se verá en la Fundación Proa a partir del 18 de noviembre.
Así lo confirmó a la agencia Télam la directora de Proa, Adriana Rosenberg, sobre la muestra que incluirá “los íconos más fuertes de su trayectoria”, siempre adaptados al espacio, en calidad de obras site specific.
Disidente político en su país y responsable de obras polémicas, Ai Weiwei exhibirá, entre otros trabajos, la instalación de la serie Semillas de girasol, ejemplares con los que tapizó la totalidad de la Sala de Turbinas de la galería Tate de Londres en 2010, o la instalación Forever, un número significativo de bicicletas entrelazadas por las ruedas y el eje, en alusión al principal medio de transporte en China. También habrá esculturas, videos, objetos y fotografías, con la curaduría del brasileño Marcello Dantas. La exposición viajará luego al Centro Cultural Banco de Brasil (CCBB) de Río de Janeiro, el museo más visitado de ese país.
“El artista llegará a Buenos Aires a fines de julio para recorrer y conocer. Planea visitar el Parque de la Memoria, la Usina del Arte y el Muntref Sede Hotel de Inmigrantes. Nuestra idea es que desarrolle algo en el espacio público, tal vez en el ingreso a Proa. Eso lo terminaremos de definir cuando esté aquí”, confirmó Rosenberg.
En sus trabajos, Weiwei reflexiona y da visibilidad a problemas sociales que marcan las inconsistencias políticas y lagunas entre el individuo y la comunidad en el mundo contemporáneo.
Debido a sus investigaciones y denuncias al gobierno de su país, el 3 de abril de 2011 Ai Weiwei fue detenido en el aeropuerto internacional de Beijing y permaneció arrestado durante 81 días sin cargos oficiales. Finalmente, tras una acusación por “evasión de impuestos”, fue liberado el 22 de junio de 2011. Su obra se expuso en Documenta Kassel (2007) y la Bienal de San Pablo (2010), entre otras muestras de prestigio
Fuente: clarin.com |
VIENE EL POLÉMICO AI WEIWEI
En noviembre, el artista disidente chino expondrá en Proa
UNA MUESTRA DE CUADROS ROBADOS POR LOS NAZIS
EL CODICIADO BOTÍN DE ARTE NUNCA RESTITUIDO
Aún hay miles de cuadros que demoran en volver a sus legítimos dueños; una muestra en Holanda los saca a la luz.
Kandinsky. "Vida llena de color" fue una de las telas robados en la época del nazismo. |
Nina Siegal - The New York Times
El niño, vestido de blanco, está callado, con las manitos juntas y los ojos cerrados serenamente. Una antorcha de madera está apoyada sobre las sábanas, con la llama extinguida.El impactante óleo El niño en su lecho de muerte, del viejo maestro holandés Bartholomeus van der Helst, se encontraba entre las más de 1.200 obras secuestradas por los nazis de una galería de Amsterdam durante la Segunda Guerra. Cabe recordar que solo muy recientemente se resolvió otro caso, famoso por su prolongado litigio: el cuadro The Colourful Life (La vida llena de color), de Wassili Kandinsky, se exhibía en la Galería de Lenbachhaus, en Múnich. Un tribunal reclamó que fuera devuelto a los herederos de una familia judía, su propietaria antes de la invasión nazi a Holanda, en 1940.Recuperado por los aliados, el cuadro de Van der Helst de 1645 debería haber regresado a la familia de Jacques Goudstikker, un conocido galerista holandés. Por el contrario, perteneció a un museo holandés por más de medio siglo, hasta que la familia pudo ganar la batalla y conseguir su restitución.El periplo de la obra de Van der Helst es emblemático de un período en la historia de Holanda, en el que un frío cinismo hacia los sobrevivientes del Holocausto implicó que miles de obras maestras fueran rescatadas de manos de los nazis sólo para terminar como parte de la propiedad nacional holandesa.“Evidencia una total falta de compasión”, dijo Rudi Ekkart, historiador de arte que el gobierno contrató en 1997 para rastrear las obras de arte robadas y encontrar a sus legítimos propietarios.Los fracasos de ese período y los honestos esfuerzos por parte de Holanda por superarlos son el tema de la exhibición Looted Art — Before, During and After WWII (Obras de arte robadas — Antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial), que tuvo su inauguración el 12 de mayo en la catedral medieval de San Nicolás, en Deventer, Holanda.Con una preparación de más de seis años, la muestra incluye 75 piezas, entre ellas el retrato del niño, y explora la desigual historia del arte robado por los nazis en los Países Bajos. Alguna vez ridiculizado por sus obtusos esfuerzos para la recuperación del arte robado, a finales de los años noventa los Países Bajos llevaron a cabo emprendimientos innovadores y pioneros que hicieron que el país fuera considerado un modelo de coherencia en este tema.Sin embargo, los recientes empeños de restitución pasan a estar bajo escrutinio, ya que algunos críticos internacionales afirman que las políticas holandesas para restituir las obras de arte robadas se han vuelto muy estrictas de nuevo. Particularmente preocupante es la medida política que exige que una comisión gubernamental encargada de juzgar los casos de restitución ponga en la balanza el interés nacional de los museos contra los reclamos de los sobrevivientes judíos o sus herederos.La medida política pide que la comisión considere “el significado de la obra para las colecciones públicas de arte”, en contraposición con el apego emocional de los demandantes.
"Niño en su lecho de muerte". La obra de Bartholomeus van der Heist acaba de regresar a sus dueños
En 2013, por ejemplo, una causa por el cuadro de Bernardo Strozzi Cristo y la samaritana, reclamado por los herederos de un refugiado judeo-alemán, fue rechazado porque era un cuadro importante para el museo holandés que lo albergaba. “El equilibrio de intereses implica que incluso si un demandante hace un reclamo al comité de restitución, y aún cuando el comité considere que el reclamo es válido y justo, los demandantes no obtienen automáticamente la pieza artística, ni hay ninguna solución para esta situación,” dijo Anne Webber, presidente de la Comisión para Obras de Arte Robadas en Europa, que tiene su sede en Londres. Gideon Taylor, presidente ejecutivo de la Organización Judía Mundial para la Restitución dijo: “Esto está teniendo un efecto de enfriamiento en los demandantes”. Mientras hubo esfuerzos en Alemania y otros países europeos, luego de la guerra, para compensar a las víctimas del saqueo nazi, en los años noventa surgieron nuevas coberturas académicas y mediáticas más profundas sobre el tema, que persuadieron a algunos países, por ejemplo a Francia y Austria, a revisar sus propias políticas y mejorar el proceso de restitución.“Cuando uno considera los Países Bajos y lo compara con otras naciones europeAs, llevó la delantera desde el comienzo, y todavía hacen las cosas mucho mejor que muchos otros países,” dijo Christopher A. Marinello, director ejecutivo de Art Recovery International, una empresa británica que se especializa en obras de arte confiscadas ilegalmente. “Pero los esfuerzos parecen haber disminuido, últimamente”.La nueva exhibición pone el foco en un espectro más amplio de la restitución en Holanda, alcanzando el período de la guerra. Fue concebido por Eva Kleeman, curadora que reside aquí, quien, con su esposo, Daaf Ledeboer, un asesor en materia de desarrollo urbano, estableció una fundación para montar exhibiciones en la histórica Basílica de San Nicolás. Estaban buscando áreas gubernamentales de depósito para encontrar arte digno de ser mostrado, y dijeron que una y otra vez se topaban con cuadros impresionantes con números NK. Todos formaban parte de la NK Collection, un tesoro de aproximadamente 3.800 obras de arte robadas que aún esperan ser restituidas.“Preguntamos si podíamos pedir prestada una obra de arte, y dijeron que, bueno, podía ser complicado, porque podría haber algún reclamo,” dijo Kleeman. “Nos intrigaba el tema”.Después de la guerra, los aliados restituyeron entre 8.000 y 9.000 obras de arte a Holanda, que habían sido encontradas en Alemania. El número representaba menos de la mitad de las obras que se habían reportado como faltantes por parte de los demandantes, sobrevivientes judíos del Holocausto. En 1951, cuando el gobierno holandés anunció que se había completado el proceso de restitución, y que había dejado de aceptar reclamos: el número de obras de arte restituidas a sus legítimos dueños se encontraba entre las 500 y las 1.000 piezas.
Fuente: clarin.com |
ELOGIO DE LO INCONCLUSO
Pablo Gianera
Hace pocos meses, el Me-tropolitan Museum de Nueva York montó una muestra con un nombre tan singular como los objetos que exhibía. Se llamaba Unfinished, inconcluso, en el sentido más literal y más amplio posible. Ya ese nombre lo decía todo: comprendía aquellas obras de arte que, desde los maestros del Renacimiento hasta la actualidad, habían quedado inconclusas. La inconclusión podía tener dos causas: una interrupción involuntaria del trabajo o bien un trabajo voluntariamente interrumpido, eso que en italiano se llama non finito. Tiziano, Rembrandt, Turner y Cézanne, todos en épocas muy diferentes, pintaron guiados por la estética del non finito.Personalmente, no pude nunca sustraerme a la atracción malsana de esas imágenes (o digamos obras, para no limitarnos a la pintura) que el artista no pudo -o decidió no poder- concluir. ¿Por qué me fascinan más esas piezas que se quedaron en la mitad del camino que llevaba a su terminación que las otras, las que llegaron a la meta? Se me ocurre la siguiente explicación: la contingencia de lo inacabado se carga con el peso de lo necesario, como si, una vez abandonada, la obra no pudiera ser sino como terminó siendo; como si alguien o algo la hubieran concluido en lugar del artista.El compositor Anton Bruckner, por ejemplo, ya mayor, se arrodillaba todos los días en el Palacio Belvedere, donde vivía, para pedir que se le concediera el tiempo que necesitaba para terminar su Sinfonía N° 9. Había escrito ya tres movimientos y faltaba el último, el Finale. Como sabemos, no pudo pasar de ahí. Atento a la posibilidad de la inconclusión, Bruckner pidió, casi como última voluntad, que en lugar del cuarto movimiento inacabado se tocara su Te Deum. Tampoco la instrucción resultó, porque ya casi nadie incluye el Te Deum, ni tampoco las reconstrucciones a partir de los esbozos del Finale, y esto por una razón muy buena: la Novena debía concluir allí donde concluye: en el colosal Adagio del tercer movimiento. Lo inacabado parece regido por alguna razón superior que el propio autor ignora.En el Malba se exhibe una pintura algo extraña. Se llama Madroños y es del pintor uruguayo Carlos Sáez. Se trata de un óleo que representa a la hermana del artista. Pero las manchas coloradas en la zona de la cabeza tienen como equivalente simétrico la blancura de la tela en la parte inferior, que Sáez renunció a completar. Es como si tuviéramos delante de los ojos la maestría y la renuncia a ella. La inconclusión es también la prescindencia de un dominio.Después de la muerte de su hijo, en 1821, el poeta alemán Jean Paul decidió consagrar el resto de sus días a la escritura de un tratado sobre la vida ultraterrena. Selina o sobre la inmortalidad del alma, el tratado en cuestión, no es propiamente una novela; tiene más bien el aspecto de un ensayo filosófico habitado por personajes imaginarios. La acción se limita a un paseo de amigos que conversan sobre la inmortalidad. En el camino, hablan por ejemplo de las correspondencias entre la "tierra con flores" y el "cielo estrellado" y se preguntan si el cuerpo es el verdadero núcleo del hombre o su mera apariencia. Selina fue en cierto modo el testamento del autor. Jean Paul murió, ciego, en 1825, y el libro quedó, como casi todos los suyos, triunfalmente inconcluso, convertido en un torso colosal. Podría haber estado de acuerdo con Paul Valéry, para quien un libro no se terminaba: se abandonaba. Jean Paul escribía con la certeza de que lo escrito no debía concluirse y tenía que permanecer en un estado de disponibilidad que lo mantendría a salvo de la muerte. Finalmente, el tiempo no puede alcanzar una obra que, en su condición inacabada, quedó fuera de la historia.Las obras no nacidas son las que alcanzarán su esplendor sin llegar a ser obras. Un verdadero colmo de la vanguardia, al margen de toda cronología.
fuente texto: lanacion.com
SGT. PEPPER'S, EL ÁLBUM QUE FERTILIZÓ EL PLANETA
Se cumplen 50 años del disco que convirtió a The Beatles en obra de arte y movilizó a los jóvenes de todo
el mundo a expresarse; la tapa, un ícono reproducido hasta el cansancio.
Martín Graziano
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, a su modo, es La Gioconda. Un monumento universal que, como las estatuas de los próceres, recibe candorosamente la peluca, los bigotes o los grafitis vandálicos. Son meras cosquillas: nada puede bajar a ese jinete del trono del consenso.Sin embargo, durante las semanas inmediatamente posteriores a su publicación, Sgt. Pepper's provocó emociones mezcladas. En medio de una invasiva campaña publicitaria, la prensa más hip saludó su edición como una victoria aplastante y, al otro lado del Atlántico, la cofradía de la costa oeste lo escuchó con "veneración religiosa". Pero, como recoge Norberto Cambiasso en su libro Vendiendo Inglaterra por una libra, también generó una ola de perplejidad. "La obsesión con la producción, acoplada a la calidad sorprendentemente mediocre en la composición, permea todo el álbum -decía el crítico Richard Goldstein en The New York Times-. No hay nada hermoso en Sargent Pepper's. Por primera vez Los Beatles nos han dado un paquete de efectos especiales, deslumbrante, pero en definitiva fraudulento? En Revolver encontraba una complejidad que me dejaba estupefacto en su sobrecogimiento, su innovación y su empatía. Pero en Sgt. Pepper's siento una nueva distancia, un sarcasmo que se camufla en pura actitud?"Distancia, sarcasmo, actitud. De acuerdo con la perspectiva, las palabras de Goldstein no necesariamente eran valores negativos. El disco, en efecto, comenzaba poniendo distancia: Los Beatles interpretaban a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Ringo, como una suerte de maestro de ceremonias, se ponía los zapatos de Billy Shears. Si con Revolver habían cruzado una frontera -ya no eran una banda de performance: eran un grupo de estudios-, con Sgt. Pepper's saltaban incluso los decorados de la música. Los Beatles dejaban de ser una banda -o sólo una banda- para transformarse en un concepto.Esa distancia teatral les permitió usar la música como forma de la ironía, pero también de la evocación. George Martin, que venía de producir discos de comedia junto con Peter Sellers y otras estrellas del firmamento de la BBC, dio un paso al frente para redondear la fanfarria de apertura, el music hall de "When I'm Sixty Four" y el carrusel de "Being for the Benefit of Mr. Kite". El disco -como era obvio- celebraba la psicodelia, pero también -menos obvio- algunos valores de la tradición británica. "She's Leaving Home", capaz de enternecer a Borges y a la cúpula revolucionaria de los Panteras Negras, era empática con la fugitiva y con sus padres.Los Beatles, como señala Diego Fischerman, eran "un fenómeno anfibio". George Harrison ponía sobre la mesa sus rudimentos del zen y Paul McCartney seguía de cerca las novedades del floreciente underground londinense (leía The International Times y sabía perfectamente quién era Syd Barret). Lennon, que más tarde renegó públicamente del costado "conceptual" de los Beatles, era todo menos ajeno al arte pop y la avant-garde. Después de todo, ya estaba de novio con una muchacha que no sólo había sido parte de Fluxus, sino también discípulo de John Cage y La Monte Young.La onda expansiva hizo estragos. En un puñado de meses, Sgt. Pepper's ya tenía sus homenajes y sus sátiras (Jimi Hendrix hizo una versión del tema de apertura, Frank Zappa remedó la portada) y los discos nuevos de los Stones, The Who, The Zombies, Pretty Things o Small Faces acusaron recibo de sus enseñanzas. Por un lado, la tradición no necesariamente es un museo. Por otro, el LP puede ser más que una colección de singles: es un escenario donde las máscaras, como anticipó Oscar Wilde, dicen la verdad. En ese sentido, y acaso en contra de la creencia más extendida, Sgt. Pepper's fue tan importante para el glam como para el rock progresivo.Pero, parafraseando a Pipo Lernoud, el disco fertilizó el planeta. En nuestro país se editó en agosto y, sólo en Buenos Aires, vendió cuarenta mil ejemplares en quince días. Los muchachos de La Cueva sintonizaron la frecuencia al mismo tiempo que los pioneros del Di Tella. Esa alquimia posibilitó el nacimiento de Mandioca y Almendra: ergo, el rock argentino. En el Uruguay, El Kinto comenzó a trabajar la idea del candombe beat y Los Shakers editaron La conferencia secreta del Toto's Bar. Unos kilómetros más hacia el Norte, Caetano Veloso, Gilberto Gil y Os Mutantes mezclaron el manifiesto antropofágico de Oswald de Andrade, el samba, la poesía concreta y la macumba para tramar la conspiración tropicalista: una cepa nueva de esa misma uva. "Lo más importante no era tratar de reproducir los procedimientos musicales del grupo inglés, sino su actitud ante el sentido de la música popular como fenómeno -dice Caetano Veloso en Verdad tropical-. Partiríamos de los elementos de los que disponíamos, no del intento de querer sonar como los cuatro ingleses."
Ringo, John, George y Paul en medio de su cruzada psicodélica: la imágen integra el librito de la edición aniversario. Foto: Apple Corps LTD.
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Los Beatles, que eran el núcleo indivisible del pop, habían modificado su composición molecular. Abrieron la cadena de ADN y, entre los pliegues del rhythm and blues, el folk y las canciones adolescentes, metieron una bomba. La explosión dejó saldos positivos y negativos. Cuando bajó la humareda, teníamos una banda desmembrada (el Álbum Blanco, su siguiente LP, fue la prueba) y el brillo palpitante de un planeta nuevo.La tapa, en ese sentido, es el aleph de la contracultura: a través del ojo de su cerradura podemos espiar el universo alternativo concentrado dentro de una nuez. Desde la ciencia ficción (H.G. Wells) hasta la izquierda política (Karl Marx), pasando por la comedia ácida (Lenny Bruce), el psicoanálisis de avanzada (Carl Gustav Jung), el Nuevo Periodismo (Terry Southern), los exploradores de la superficie del planeta (Livinsgtone) y los abismos de la conciencia (Burroughs. Huxley). Desde el esoterismo (Aleister Crowley) hasta las divas del póster (Marlene Dietrich, Marilyn Monroe), pasando por la literatura prepsicodélica (Carroll, Dylan Thomas), los héroes de la desobediencia civil (Gandhi), el humor gráfico (Aubrey Beardsley), los abanderados rebeldes de la música popular (Bob Dylan) y la académica (Karlheinz Stockhausen). En el centro, claro, los propios Beatles: antes y después de la detonación.Sgt. Pepper's, con ese gesto, había puesto en marcha el procedimiento inverso de Duchamp y su mingitorio: en lugar de introducir la vida cotidiana en el mundo del arte, metió el arte en la vida cotidiana. ¡Voilá!
La revolución musical por dentro
La reedición
Más que una manzana (el ícono representativo de su Apple Corp.), The Beatles parece una naranja de la que se sigue exprimiendo año tras año. Ahora es el turno de una nueva reedición de Sgt. Pepper's, que incluye un segundo CD con tomas alternativas de las canciones (en su mayoría primeras tomas, mucho más despojadas, que demuestran el extenso y obsesivo proceso por el que atravesaron John, Paul, George, Ringo y el mismo George Martin para crear esta obra), bajo la atenta dirección de Giles Martin, el hijo del productor y quinto beatle honorífico.
El documental
Para continuar con las celebraciones por el 50° aniversario del álbum, este sábado, a las 20, OnDirectv pondrá en su pantalla (canal 201) el documental Sgt. Pepper's Musical Revolution, con la conducción del compositor Howard Goodall, y en el que se examina el legado musical y cultural de este puñado de canciones.
Fuente: lanacion.com
Fuente: lanacion.com
FIN DE UN MISTERIO DE 500 AÑOS:
REVELAN QUIÉN FUE LA MADRE DE DA VINCI
Una investigación descarta que haya sido una esclava china. Era huérfana y tuvo al genio a los 15 años.
Leonardo, el emblema del Renacimiento
A más de 500 años del nacimiento de Leonardo da Vinci, uno de los misterios centrales acerca de su vida parece haber sido finalmente resuelto. Según un nuevo estudio de la Universidad de Oxford, la madre del genio renacentista no era una esclava china, como se creyó en los últimos tiempos, sino una campesina pobre criada en las afueras de Florencia.Si bien el autor de La Gioconda es una de las figuras culturales más importantes de la historia, la identidad de su madre se había mantenido hasta el momento en el terreno de las especulaciones. Todo lo que se conocía es que el nombre de la mujer era Caterina y que había dado a luz a su hijo después de ser seducida por un abogado a los 15 años. Pero ahora, a partir de una investigación que estuvo a cargo de Martin Kemp, profesor emérito de la Universidad de Oxford, se supo que su apellido era Di Meo Lippi y que creció huérfana junto a su abuela en una humilde granja ubicada en las colinas de Vinci, unos 40 kilómetros al oeste de Florencia, en la región de Toscana.De acuerdo al estudio, Caterina quedó embarazada en julio de 1451, cuando tenía 15 años. Leonardo nació el 14 de abril de 1452 en ese pueblo, pero su padre, Ser Piero da Vinci, que en ese momento tenía 25 años, se lo llevó a la casa de su abuelo paterno, Antonio da Vinci.“Ser Piero estaba concentrado en su carrera profesional en Florencia, por lo que no quería que un bebé ilegítimo arruinará sus ambiciones. El abuelo de Leonardo vivía en condiciones muy decentes. Era una familia de terratenientes”, explicó Kemp en su investigación. Antonio educó a su nieto durante la infancia y se terminó convirtiendo en una figura central en el desarrollo intelectual de quien años después sería pintor, escultor, arquitecto, músico, ingeniero y científico.Entre los documentos consultados por Kemp también existe una declaración de impuestos de Antonio da Vinci de 1457, en donde indica que en su casa vivía un “hijo ilegítimo” de Ser Piero, quien luego contrajo matrimonio con otra mujer de mejor posición social. Caterina también pudo rearmar su vida: conoció a un granjero local con quien terminó teniendo otros cinco hijos. Según parece, la madre del genio perdió todo tipo de contacto con Leonardo hasta 1492, cuando decidió viajar a Milán para reecontrarse. Lo logró y y falleció en esa ciudad un año más tarde. “Hay una nota en los cuadernos de Leonardo que datan de 1494 en el que dice que ‘Caterina vino (a Milán) para quedarse’”, dijo Kemp, quien también encontró documentos que certifican que el artista pagó los gastos funerarios de su mamá.
Fuente: clarin.com
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XUL SOLAR "INTERVIENE" A BORGES
La edición facsimilar de un ejemplar del libro El idioma de los argentinos ilustrada por el artista revive los fulgores de la vanguardia rioplatense de 1920
ASÍ QUEDÓ EL TEATRO SAN MARTÍN DESPUÉS DE LA REMODELACIÓN
Finalizada la primera etapa de la obra edilicia, el teatro reabrió sus puertas
Así quedó el teatro San Martín luego de su remodelación Prensa GCBA
Finalizada la primera etapa de la obra edilicia, el Teatro San Martín reabrió sus puertas y reanuda las actividades con los espectáculos "La farsa de los ausentes", "Parias", y "Umbrío", entre fines de mayo y principios de junio.Para festejar este acontecimiento, hoy se realizó un gran espectáculo sobre la Avenida Corrientes al 1530, frente a este espacio cultural tan emblemático para la Ciudad de Buenos Aires.
Miles de espectadores disfrutaron del talento de integrantes del Ballet Contemporáneo, del Grupo de Titiriteros y del Taller de Danza Contemporánea, junto a un numeroso grupo de actores, artistas aéreos, músicos y técnicos, sobre un escenario de 15 metros de ancho por 8 metros de profundidad y una pasarela de 30 metros.
El ambicioso plan de obras integral y multidisciplinario que comenzó en 2015 buscó no solo restaurar el deterioro del tiempo sino también modernizar las condiciones de funcionamiento del Teatro, pero siempre respetando el diseño original del edificio.
En la primera etapa ya finalizada se renovaron el hall central, las tres salas principales (Martín Coronado, Casacuberta y Cunill Cabanellas), los camarines y los sistemas de iluminación y de protección contra incendios.
En una etapa siguiente, le llegará el turno a la Sala Leopoldo Lugones, centro de la cinefilia local, y por último a las oficinas y talleres.
Durante el primer año de obras, sin cerrar todavía el teatro, se trabajó sobre la refacción de cubiertas, la impermeabilización de los muros exteriores y la sala de ensayo del ballet contemporáneo. Se intervinieron además las salas Leopoldo Lugones, Casacuberta y Martín Coronado, la mayor de todo el complejo. También se restauraron butacas, mármoles, venecitas y bronces, y se renovaron alfombras, señalizaciones y revestimientos acústicos.Durante todo el año pasado, el teatro permaneció cerrado, contratiempo ineludible para llevar adelante la etapa final de renovación.El Teatro San Martín constituye la obra más emblemática del Movimiento Moderno en la arquitectura argentina. Fue proyectado por los arquitectos Mario Roberto Álvarez y Macedonio Fernández en 1953, e inaugurado en el año 1960. Por su concepción de vanguardia y su tecnología teatral absolutamente avanzadas, se posicionó como uno de los más importantes teatros del mundo.
Fuente: lanacion.com
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ANISH KAPOOR:
CÓMO ENTENDER EL EXILIO A TRAVÉS DE LAS PERCEPCIONES
El próximo sábado inaugura una muestra que promete conmover en el Parque de la Memoria
Dirty Corner. Una de las intervenciones que presentó hace dos años en el Palacio de Versalles. / Tadzio Verónica Abdala
Si el espacio pudiera ser tratado como un concepto poético, habría que decir que Anish Kapoor es uno de los artistas que explora esa posibilidad. La obra de este escultor nacido en Bombay en 1954 y radicado en Londres –uno de los más influyentes de la escena contemporánea a nivel mundial- se define en buena parte por el impacto visual que producen las figuras –a menudo gigantes- que crea en interacción con el entorno, aventuras conceptuales que se erigen a su vez como proezas arquitectónicas, de belleza inquietante.
Ahora, Kapoor viene a la Argentina por primera vez. Presentará su trabajo en el Parque de la Memoria que recuerda a las víctimas del terrorismo de Estado. La muestra se titula Destierro, empieza el próximo sábado y fue pensada especialmente para ese sitio. Estará en la Sala PAYS.
Curada por Marcello Dantas, la exposición está integrada por tres obras: Imagine Blue, Anxiety y Destierro, que forman un conjunto conceptual en el que Kapoor problematiza la relación entre materia y percepción. Su puesta site-specific busca también vincular los exilios del pasado con los desarraigos del presente y las migraciones, según se adelantó, en una muestra de su compromiso con los derechos humanos y el sostenimiento de la memoria.
Los organizadores aseguran que “exhibir la obra de Kapoor en el Parque de la Memoria propiciará una experiencia estética de alto contenido simbólico, capaz de provocar no sólo un estado de introspección y reflexión personal sino, además, una profunda conexión con el sentido de lo social y comunitario”. La experiencia total sólo quedará develada frente a las obras.
No es fácil abstraerse del impacto de las instalaciones de Kapoor, construidas en distintas escalas y formatos : una lágrima gigante que brilló en una explanada de Chicago, espejos cóncavos o convexos cuyos reflejos atraen y engullen al espectador, huecos tallados en piedra, montículos de polvo pigmentado, viscosas esculturas de cera de color rojo.
En 2015, revolucionó el Palacio y los jardines de Versalles en Francia, en su intento de trastocar la real geometría del lugar, cuando instaló un inmenso cornete acústico de acero oxidado semejante a una vagina de metal. Lo movilizaba, según él mismo explicó entonces, la voluntad de instaurar “lo dudoso, lo abyecto y lo aleatorio” en esa “aparente racionalidad que contradice una necesidad subterránea de ocultar todo desaliño, toda confusión interior”. Cumplió con su propósito: en aquel momento hubo reacción de círculos conservadores que recomendaron “evitar las visitas en familia”. Incluso, hubo actos de vandalismo: durante la exposición, la vagina artística amaneció con manchones de pinturas que debieron ser removidos.
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JOSÉ FIORAVANTI, UN ESCULTOR ENORME
Logró una obra genial y diversa, desde la imponente figura del Monumento a la Bandera hasta la clásica postal marplatense.
A 40 años de su muerte, sus admiradores protegen su trabajo e impulsan que vuelva a fundirse.
José Fioravanti (Buenos Aires, 1896 - Buenos Aires, 1977) fue un gran escultor argentino. Se cumplirán en octubre 40 años de la muerte de este artista clave en la historia nacional. Además, uno de sus conjuntos escultóricos más importantes cumple 60 años: el que integra el Monumento Histórico Nacional a la Bandera, junto con las obras de Alfredo Bigatti. Con la intención de hacer muestras, libros y que se vuelvan a fundir sus obras, dos coleccionistas pusieron en valor su legado. Prometen que este año su obra tendrá la presencia que merece.Guardar la obra de un escultor, sobre todo si es un gran monumentalista, requiere espacio y cuidados. La que dejó Fioravanti en su taller fue conservada por la hija de su última esposa. "Permaneció por años en un depósito donde sufría deterioro. A fines de 2015, dos coleccionistas la compraron y ahora están los 200 yesos que dejó en el museo privado Magda Frank", dice Tulio Andreussi Guzmán, director del espacio y el primero que se interesó en conservar este tesoro, y que reunió a otros interesados para solventarlo. El patrimonio se ordenó, clasificó y restauró con la ayuda del escultor Eduardo Carlos Noé.La casa de Frank donde funciona el museo, al que sólo se llega con cita previa, es la que ocupó en sus últimos años la escultora nacida en Transilvania en 1914, que escapó del exterminio nazi y se refugió en los años 50 en la Argentina. Volvió al Viejo Continente luego para triunfar en París y en el mundo. "Hizo 20 monumentos que están emplazados en Europa", señala Andreussi. Ubicada en Avenida General Paz, en el barrio de Saavedra, la casa conserva montado su taller y una exposición permanente de algunas de las 300 esculturas y 2000 dibujos que dejó. "La conocí después del 2000 tocándole el timbre, cuando ya era muy mayor, a través de Pierre Restany. La acompañé en sus últimos años y fundé su museo", cuenta. Ahora se hizo lugar para que dos salas alberguen los yesos recién llegados y cambió su nombre por Casa Museo Frank-Fioravanti.Están la Pastora y el Pastor del monumento a Martínez de Hoz que está emplazado en La Rural, pero vinieron hechos desde París, donde tenía entonces Fioravanti su taller. Y la imponente figura de La Patria del Amor y la Fraternidad, del Monumento Histórico Nacional a la Bandera de Rosario. Junto con su colega Alfredo Bigatti y a los arquitectos Ángel Guido y Alejandro Bustillo trabajaron, por 10 años, para realizar el gigantesco conjunto escultórico. Entre las piezas recobradas hay frisos, piezas monumentales como la cabeza del caballo Palomo del monumento a Simón Bolívar y torsos del monumento a Franklin D. Roosevelt que está en Plaza Seeber, Palermo. También está Gaucho con rueda, el logo de la Siam Di Tella, y hay tres estanterías completas de cabezas y bustos, como los de Rubén Darío -hecho por encargo del diario La Nación, para la plaza del Museo de Bellas Artes-, el General José de San Martín, Leopoldo Marechal y tantos otros. "Los compramos a la heredara junto con los derechos de autor, para que se puedan seguir fundiendo copias. Hay muy poca obra suya fundida", cuenta Andreussi
Su historia es la de un genio precoz, que empezó a esculpir de niño y a los 16 años expuso por primera vez en el Salón Nacional de Artes de Buenos Aires. A los 23 obtuvo el Primer Premio Nacional; a los 26, el Primer Premio Municipal, y a los 40, el Gran Premio Adquisición en el Salón Nacional. Pronto fue Académico de número y dirigió la Escuela de la Cárcova.Quien mejor lo recuerda es el escultor Antonio Pujía, su discípulo y ayudante por varios años. Hoy tiene 87 años y dice que aún lleva guardado su recuerdo y sus enseñanzas, además de un profundo cariño: "Cuando me pongo a tallar, escucho su voz. Fue un gran maestro mío". Lo conoció en la galería Peuser, por intermedio de otro de sus grandes maestros, Troiano Troiani. "Entre ellos se hablaban en italiano, y en ese idioma me habló Fioravanti, porque yo también soy argentano, venido de Calabria de muy chico. Fue un encuentro muy simpático, lo admiraba mucho, pero nunca había tenido el coraje de hablarle".Fioravanti fue su maestro en la Escuela De la Cárcova y luego trabajó largas temporadas para él como ayudante en su taller. "Tenía 19 años entonces. El maestro conocía todos los materiales habidos y por haber y enseñaba fundamentalmente la talla. Tuvimos una relación idílica, hermosísima. Yo me llevaba muy bien en general con los maestros que me tocaron en fortuna. Pero Fioravanti para la historia del arte argentino es uno de los dos o tres más grandes. Fue un gran estatuario. La mayoría de sus monumentos fueron hechos en talla en piedra de distintos lugares del mundo, porque muchos los hizo en Francia", recuerda Pujía.En algunos trabajos grandes para los que necesitaba ayuda, Fioravanti siempre contaba con Pujía. Y el lazo entre ellos se fue haciendo sólido y profundo. "Como persona también oficiaba de maestro, con una calidez casi paternal. Me llamaba Antonito", dice Pujía. Ya egresado, trabajaba para Fioravanti y otros escultores reconocidos: "Me ganaba muy bien la vida y aprendía cantidad de cosas que no había visto en la escuela". En lo de Fioravanti, ampliaba bocetos sin modelar las figuras, y las ponía a punto para que el maestro luego terminara de darles la forma. "Yo iba por la tarde a su estudio. Su mujer, Ludmilla, nos preparaba un té en el samovar y nos ponía música. Eran muy melómanos", rememora.
Fue el maestro quien le dijo a Pujía de un concurso para escultores en el Teatro Colón, organizado por Héctor Basaldúa. "Me dijo que me presentara, pero yo le respondí que le agradecía el aviso, porque seguro había mucha gente antes que yo para ese puesto. Apenas hacía un año que había terminado la escuela y me estaba por casar. Le dije: 'Voy a perder el tiempo, maestro'. Y él me miró con sus ojones grandes y no dijo nada. Al rato, me paró y me dijo que me tenía que decir algo o no se iba a sentir bien: 'La respuesta que me diste no me terminó de gustar... ¡no me gustó! Querido, en la vida de un artista joven no todo es presentarse a concurso para ganar. No es lo que te puedo aconsejar. Si querés llegar a tener un premio, tenés que empezar a mandar a los salones. Para vos, es más importante en este momento participar que ganar", recuerda. "Lo que me dijo me llegó al alma. Me abalancé encima de él abrazarlo. Él creyó más en mí que yo mismo", cuenta. Así fue como Pujía fue al Colón y se presentó al concurso. El jurado, entonces, iba a domicilio al taller de los postulantes para ver su obra. "El mío era chiquito y lleno de tierra porque estaba en la calle Montes de Oca, en Constitución. Vino Basaldúa y otros dos, y me hicieron preguntas de historia del arte y vieron mi obra. Pero lo que más les gustó fue un par de piernas en cartapesta que estaba haciendo para un anuncio de las primeras medias de nylon para las grandes tiendas Etam", dice entre risas. Al poco tiempo, lo confirmaron como el primer escultor escenógrafo del Teatro Colón. Trabajó allí por casi 15 años, hasta que decidió dedicarse de lleno a su obra.Otra especialista en Fioravanti es la historiadora Patricia Corsani, licenciada en Artes y autora de la ficha bibliográfica en el catálogo razonado del Museo Nacional de Bellas Artes de la obra que ahí se conserva, Mujer con libro, que fue en 1937 el Premio Adquisición en el Salón Nacional y medalla de oro en la Exposition Internationale des Arts et Techniques de París. La modelo es la pintora rusa Ludmilla Feodorovna (1896-1973), su amor más grande. Se conocieron en la capital francesa, se casaron y llegaron a Buenos Aires en 1928."José Fioravanti se formó en el taller de fundición del suizo Alejo Joris, escultor y fundidor radicado en Buenos Aires. De los 12 a los 18 años, su maestro le enseñó todo lo relacionado con el oficio. A estos pasos iniciales -pausados, firmes- por el camino de la escultura, se les sumaron los recorridos europeos y por Egipto que lo enriquecieron y despertaron su pasión por obras que observaba en museos de Francia, Grecia, Italia, Portugal, Inglaterra, así como en particular las de Miguel Ángel, Antoine Bourdelle, Ivan Mestrovic, Aristide Maillol, entre otros -cuenta Cosani-. La obra de Fioravanti está vinculada a la renovación de la representación figurativa, una figura humana contundente mostrada con un lenguaje moderno, aunque ligada en la tradición", señala. Fue contemporáneo de maestros como Alfredo Bigatti, Antonio Sibellino, Luis Falcini, Sesostris Vitullo y Pablo Curatella Manes: "Estos artistas buscaron, cada uno desde su propia visión, la transformación de la escultura argentina".
Fuente: Revista La Nación
Más sobre José Fioravanti en:
GRANDES ESCULTORES ARGENTINOS: JOSÉ FIORAVANTI, 1896 -1977
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