JOAN MIRÓ, EL ASTRONAUTA PLÁSTICO

A 30 años de su muerte, que se cumplen el miércoles, un asteroide llevará su nombre. "Aunque es un artista contemporáneo, su visión universal y su dimensión internacional le colocan entre los clásicos", dice Rosa Malet, directora de la fundación que creó el artista. 

LA MASIA. Óleo pintado en 1922 por Joan Miró, del cual Hemingway, su comprador, decía: "No lo cambio por ningún otro cuadro en el mundo"

Por Ana Lázaro Verde

Viajó con su obra a galaxias desconocidas pero nunca imaginó que uno de esos astros, el asteroide 4329, llevaría su nombre: Joan Miró. La decisión fue tomada hace unos días por la Unión Internacional Astronómica, a petición de la Fundación que él mismo había creado, que destacó la importancia de los astros en la obra del artista. En el 30 aniversario de su muerte, que se celebra este miércoles, el artista español, le dará su nombre al asteroide.

Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983) fue un "astronauta" plástico. Poeta y evocador, se fijó en lo inmediato, lo proyectó en lo lejano y creó un lenguaje propio y sin etiquetas. Pero siempre con los pies en la tierra. "Era una persona muy ordenada, muy bien organizada. Cada día se levantaba temprano y bajaba a su taller a trabajar", explica a dpa Rosa Maria Malet, directora de la fundación que creó el artista en 1975 en Barcelona y que lleva su nombre.

"Su método y su orden lo hemos comprobado a través de los dibujos preparatorios de su pintura, que conservó a lo largo de toda su vida. Sus notas y sus bocetos estaban sumamente ordenados y en unas condiciones que actualmente permiten tener conocimiento de su método de trabajo, del proceso de realización de sus obras", asegura.

El universo que Miró esbozó, y que hoy está presente en museos y espacios públicos de todo el mundo, era "una forma de evocar aquello que, por inalcanzable, resulta más poético". Treinta años después de su muerte, su obra es una de las más "identificables" en la historia del arte. Y más allá de esa primera impresión, un tanto superficial, destapa conceptos que traspasan lo plástico y forman parte de un imaginario universal.

¿Qué queda en la obra de Miró de aquel París bohemio que habitó en los años 20? "Queda, sobre todo, la poesía", responde la directora de la Fundación Joan Miró. El artista llegó a la capital francesa en 1920, en plena efervescencia del movimiento surrealista. A través de su vecino de taller, André Masson, conoció a los escritores de vanguardia del momento, como Michel Leiris o André Breton. "Lee su poesía y manifiesta que con su obra quiere llegar a lo más íntimo del público, como los poetas lo consiguen a través de sus versos", asegura Malet, quien se ha dedicado a estudiar la obra del artista durante años.

El contacto con el surrealismo lo lleva a adoptar un vocabulario particular que deriva en buena parte de las lecturas poéticas del momento. De esa etapa es la conocida pintura "El carnaval del arlequín".

De "La masía", obra que le compró Hemingway y en la que ahonda en sus orígenes y retrata el mundo rural, pasa años después a las "Constelaciones", una serie de 23 pinturas que comienza poco antes de estallar la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y que culmina al huir de Francia, tras la invasión del país por las tropas alemanas. "Las 'Constelaciones' son una escapada al sublime. Son una ida hacia la energía. Hacia el universo. Son una puerta para irse de una guerra circunstancial, de un genocidio, de una brutalidad, de una tontería", dijo en una ocasión su nieto, Joan Punyet.
Miró dio sus primeros pasos artísticos a los 14 años, cuando se inscribió en la Escuela Superior de Artes Industriales y Bellas Artes de Barcelona, mientras estudiaba Comercio por el empeño de su padre, un herrero que quería que su hijo fuera "un hombre de provecho".

Si sus inicios están intrínsecamente unidos al movimiento abanderado por André Bretón, incluso con la firma del conocido "Manifiesto surrealista", su carácter apolítico y las circunstancias del momento le llevan por otros caminos.

Miró volvió a España en 1940 pero siguió viajando a Francia. Su relación con el régimen del dictador Francisco Franco (1939-1975), que condenó a muchos artistas al exilio, fue nula. Nunca se exilió. Pero su obra no fue expuesta de forma oficial en Madrid hasta 1978, ya muerto Franco y después de triunfar en Estados Unidos y Japón.

Nunca aireó sus ideas políticas, pero es conocido "su gran sentido de la honestidad y su coherencia", explica Malet. "Tenía una clara estima por su tierra, Cataluña". También por la cultura y la justicia social. "Lo vemos en los carteles que realiza para dar soporte a estos temas", especifica la directora de la Fundación.

Ahora, sus mosaicos y esculturas están en ciudades como Chicago, París, Madrid o Barcelona. El 30 aniversario de su muerte coincide con un año marcado por el auge del movimiento surrealista y el éxito de exposiciones como la de Dalí, que contabilizó un récord de visitas -más de 730.000- en el Museo Reina Sofía de Madrid.
¿Era consciente Miró de la repercusión de su obra? "No sé hasta qué punto", reflexiona Malet. "Es verdad que vio un gran reconocimiento en la exposición del Moma, en Nueva York, y, después, en su primera muestra en Osaka (Japón). Eso tiene que ser un motivo de alegría y satisfacción", agrega.
En una de sus anotaciones, Miró dice que quiere ir más allá de la pintura de caballete. Piensa en hacer arte público. En no quedar relegado a la pintura colgada de una chimenea de un salón. Lo logró: "Aunque es un artista contemporáneo, su visión universal y su dimensión internacional le colocan entre los clásicos", dice Malet.

Fuente: Revista Ñ Clarín / DPA

LOS RESTOS DE LA PINTURA

Búsqueda. Silvia Gurfein vuelve a formularse en su muestra las preguntas primeras sobre la pintura

CENTELLEO, DERIVA Y RESPLANDOR, 2013. Óleo sobre tela, 53 x 38,5 cm.

Por Ana Maria Battistozzi

 

Hace menos de veinte años que se dedica a pintar. Pocos, si se quiere, para la profundidad de la tarea crítica que emprendió en los últimos tres. Sobre todo si se tiene en cuenta que parte de ese tiempo Silvia Gurfein lo ocupó en su propia formación no académica. Antes había incursionado en el teatro, la música y la filosofía, lo cual, uno infiere, le sirvió a la hora de armar su particular modo de entender la pintura como práctica, como experiencia sensible y como forma de pensamiento, capaz de conectar el principio leonardesco de la pittura e’cosa mentale con Derrida. Y acaso, como este último ante el interlocutor que llega y le anuncia: “Me interesa el idioma en pintura”, interrogarse por la naturaleza de ese interés. ¿La expresión? ¿Lo que tiene que ver con el idioma? ¿Con el trazo, o acaso con la singularidad, la especificidad irreductible del arte pictórico?

En 2011 Silvia Gurfein ganó el Premio Klemm y, en consecuencia, la posibilidad de exhibir su obra en uno de los espacios de la Fundación. La artista descartó la idea de mostrar su obra en perspectiva histórica y en cambio concibió un formato para poner en escena una búsqueda. Y con ella un repertorio de problemas que hoy se plantea todo artista que pinta. Sobre todo, a la hora de pensar una práctica con semejante carga histórica, como la pintura. Que ha sido tildada de anacrónica y sentenciada a muerte varias veces pero que aún es capaz de renovar su capacidad de seducción tanto en el plano sensible como en el conceptual.

LA CEGUERA TÁCTIL DEL CEREBRO FRENTE AL CRÁNEO, 2013. Óleo sobre tela, 61 x 44 cm.

La obra premiada en 2011, que curiosmente se llamaba Origen y fin, es de algún modo el punto de partida de esta exhibición aunque para la artista tiene más que ver con un proceso de crisis.

“Durante el transcurso de una praxis siempre uno atraviesa crisis”, dice en la conversación que disparó su extraña muestra que dispersa textos enmarcados, lienzos crudos sobre una tabla horizontal, pigmentos, telas manchadas con color como sudarios y también telas formalmente pintadas y tensadas sobre bastidor al modo convencional. “Había llegado a un punto en que ya no podía seguir con lo que estaba haciendo. El cuerpo no me lo permitía, pienso que tal vez el título de la obra premiada, Origen y Fin, estaba aludiendo a un ciclo cerrado; a una especie de despedida. Tal vez era algo de orden anímico que anticipaba un cambio”, reflexiona.

Ni el cuerpo ni la mente le permitían seguir con lo que estaba haciendo. No quería repetirse pero al mismo tiempo tenía una gran incertidumbre sobre cómo continuar. “Sabía que tenía que seguir trabajando de algún modo y persisitir en una investigación hasta que al fin me encontré en el taller rescatando restos de pintura. Un gesto que tal vez tenga que ver con lo funerario. O lo arqueológico”, sugiere.

CENTINELA, 2013. Óleo sobre tela, 157 x 97 cm.

En su seguimiento histórico de la imagen en Occidente Regis Debray dice que la imagen y en especial el retrato –el sudario podría ser una forma arcaica de él– tienen su origen en la voluntad humana de trascender la muerte.

Así también el impulso exploratorio llevó a Gurfein a sacar conclusiones de un problema que había tenido con una pintura mal imprimada y había traspasado la tela dejando huellas en la pared. La relación de la superficie pictórica del plano, lo que acontece en él y el soporte de la pared que lo sostiene es algo que ha estado presente en gran parte de las reflexiones que postuló la pintura moderna, al menos desde el gesto de Fontana en adelante. No resulta extraño que la huella de una tela mal imprimada, que se deja atravesar por el pigmento haya resultado motivo de interés de la artista.

“Aquello volvió a mi mente –recuerda, y ese dato terminó por reorientar sus búsquedas hacia el reverso de la tela o lo que puede atravesarla en una huella–. No fue un proyecto consciente, me encontré con eso por azar. Y, curiosamente, aquello, que parecía un gesto funerario, fue lo que me volvió a entusiasmar de la pintura.

SUDARIO, 2012. Óleo sobre tela, 66 x 30 cm.

De pronto, me encontré celebrando ese hecho que me devolvía el deseo de investigar esa materia ancestral que es la pintura.” Todo induce a pensar que la noción de arqueología impulsa este capítulo reciente de la obra de la artista. ¿Pero qué sentido implica exactamente esa noción?

“El de excavar o escarbar –responde–. Desenterrar el pasado para buscar el origen de las cosas. Mi pregunta es cómo se hace hoy para pintar. Por eso me planteo una excavación de sentido doble: hacia adentro de la pintura y en su propia historia.” Paul Valery se preguntaba en los años treinta cómo devolver a las palabras un estado virginal. Así también, es posible hoy preguntarse qué hacer con un tipo de práctica como la pintura, que a través del tiempo ha sido codificada, recodificada y vuelta a codificar.

“Yo tenia un gran impulso –dice Gurfein– y sentía que podía transitar esos lugares altamente codificados. Me sentía libre al hacerlo y no reniego de ninguno de esos pasos que di pero en un momento se me reveló como la muerte.

CARTA A LOS VIDENTES PARA USO DE LOS CIEGOS, 2013. Óleo sobre liezo, 170 x 110 x 80 cm.

Volver a preguntarme cómo hacer pintura y sentir que eso está vivo, en un punto fue remontarme a las cuevas de Lascaux. Para mí hay algo en esta muestra que es como ir antes de las cosas. Ir a la pintura antes de la pintura. Pasé dos años investigando y volví a formularme las preguntas primeras: ¿dónde se constituye la imagen, dónde se localiza? ¿En el soporte? ¿Está en el ojo, en la mente o en la cultura? Por otro lado hay algo muy concreto y material que es la pintura en sí misma que se desposita en una tela. Me pregunté también ¿por qué se pinta sobre tela? ¿Por qué se concibió para que ésta actúe como un espejo, para devolver la imagen y no se deje atravesar por el color?” Otro aspecto a destacar es el modo en que estas búsquedas eligen plasmarse en el formato de una exhibición. “Había muchos elementos a incluir —explica Gurfein–. Tenía que pensar qué del desecho podía considerarse obra. La pregunta que me hacía era ¿quiero mostrar el proceso o quiero mostrar obra? Quería mostrar algo que tenga entidad y que fuera independiente.

FICHA
Silvia Gurfein
Lo intratable

Lugar: Fundación Klemm, Marcelo T. de Alvear 626
Fecha: hasta fin de mes
Horario: Lunes a viernes, 11 a 20
Entrada: gratis

Fuente: Revista Ñ Clarín

ARTE Y CIENCIA PARA RECONOCER UN POLLOCK

Un artista, su amante, el detective y el pelo de un oso polar.

Jackson Pollock y Ruth Kligman en 1956. Kligman dijo que el artista pintó "Red, Black and Silver" para ella ese año

Por PATRICIA COHEN
The New York Times

Durante casi sesenta años, una pequeña pintura con espirales y manchones rojos, negros y plateados es el símbolo de la enemistad entre dos mujeres: Lee Krasner, la viuda de Jackson Pollock, y Ruth Kligman, su amante.
Hasta su muerte, en 2010, Kligman insistió en que la pintura era una carta de amor a ella creada por Pollock en el verano de 1956, apenas unas semanas antes de la muerte del artista en un choque. Pero un panel de especialistas designado por una fundación organizada por Krasner rechazó la pintura mientras autenticaba y catalogaba la obra de Pollock.
En noviembre, parecía que la disputa que duró más que la vida de ambas mujeres finalmente estaba resuelta. Los herederos de Kligman dijeron que las pruebas forenses –por las que se compararon muestras de los mocasines que llevaba puestos Pollock cuando murió, sus alfombras y su jardín– habían relacionado la pintura con Pollock y su casa. Pero, en lugar de resolver la disputa, estas conclusiones sólo dieron lugar a otra, en la que se enfrentan las formas tradicionales de determinar si una obra es auténtica con tecnologías más nuevas.
De un lado se ubica Francis V. O’Connor, un aristocrático entendido de estilo Viejo Mundo que cree que la erudición y el ojo experto son fundamentales para juzgar la autenticidad. O’Connor, coeditor del catálogo definitivo de Pollock y miembro del comité de autentificación ahora disuelto de la Fundación Pollock- Krasner, dijo que Rojo, negro y plata no tiene el aspecto de un Pollock. Del otro está Nicholas D. K. Petraco, detective retirado de la ciudad de Nueva York y especialista forense que examinó la pintura a pedido de los herederos de Kligman.
Abordando la tela como si fuera un cadáver en una escena del crimen, Petraco señaló que no tenía dudas de que la pintura se había realizado en la casa de Pollock y estaba vinculada con Pollock. "He tenido casos con menos materiales que este en los que las personas pasaron de 25 a 30 años en la cárcel”, aseguró. Pero la ciencia tiene sus límites. La pintura o el papel pueden ayudar a fijar la fecha de una obra, mientras que el cabello y las fibras pueden ayudar a determinar dónde fue hecha.

"Red, Black and Silver", la pintura de la discordia.

Pero la procedencia de una obra también debe ser verificada. Los entendidos afirman que la verdadera autoría no puede establecerse sin una evaluación especializada de la composición y las pinceladas que revelan la “firma” de un artista. La diferencia de opinión podría valer millones de dólares. De no ser autentificada, Rojo, negro y plata figuraría como “atribuida a Pollock” y no costaría más de 50.000 dólares, dijo Patricia G. Hambrecht de la casa de subastas Phillips, donde la pintura se halla en consignación. Si se la considerara un verdadero Pollock, su valor estimado treparía a más de un millón de dólares, agregó.
El relato de Kligman sobre la pintura se remonta al verano de 1956 cuando ella tenía 26 años y vivía en la casa de Pollock en East Hampton, Nueva York, luego de que Krasner, tras encontrar juntos a los amantes, partiera a Europa en barco. Pollock en ese momento consumía alcohol de manera descontrolada y no había pintado en dos años. Como detalló Kligman en una nueva introducción a la edición 1999 de sus memorias, Love Affair: A Memoir of Jackson Pollock, el artista estaba sobre el césped cuando ella le trajo las pinturas y los palos que usaba. Después de terminar, él le dijo: “Aquí tienes tu pintura, tu propio Pollock”.
Al examinar la pieza, Petraco, el detective, buscó polvo, pelos, fibras y otros desechos en la superficie y bajo la pintura. El factor decisivo, explicó, fue descubrir un pelo de oso polar, algo extraño en un país que había prohibido la importación de productos de oso polar hacía más de cuarenta años. Una alfombra de oso polar que había estado en el living en 1956 seguía en la buhardilla de East Hampton.

Fuente: Revista Ñ Clarín

UN OASIS HECHO DE ARTE, PLANTAS RARAS, DISEÑO,LIBROS, ROPA Y MESAS DE BAR

Un vieja galería comercial se convirtió en un lugar de alta concentración artística

Viejo patio. El edificio fue en un comienzo, en 1904, un Liceo de Señoritas. Ahora reúne artistas./ANDRES D’ELIA

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

 

En medio de la ciudad de Buenos Aires existen lugares secretos,: sirven para refugiarse del ruido. Funcionan a manera de ansiados oasis. Es el caso del Patio del Liceo (Santa Fe 2729), anteriormente un Liceo de Señoritas –en 1904–, luego una especie de pequeño shopping –en los 90; más tarde abandonado y tomado; y desde 2009 devenido un centro de pequeñísimas galerías de arte y proyectos de diseño alternativo y refinado.

Quizás usted oyó nombrar, por ahí, a alguno de estos espacios: Fulgor, Fiebre, Hache, La Calor, La Ene, Silustra –“Se ilustra”–, Mite, Pasto, la disquería Mercurio, el vivero Paraná –una especie de sofisticado vivero que hace de las plantas pequeñas obras de arte–, Avalancha –la novísima galería del brasileño Rogerio Lacerda–, la librería Purr, Kuku –originales y graciosos artículos del hogar-, Moebius –la única galería del país que vende originales de ilustradores y dibujantes de comics–, y hasta una santería vanguardista donde enseñan tarot, hacen “cafecitos cósmicos” y “la psicomagiquean”, como dicen ellos. Todos estos lugares tienen denominadores comunes: están dirigidos por artistas, diseñadores y galeristas muy jóvenes; ninguno de los espacios supera los 10 metros cuadrados (son simples localcitos de una galería comercial cualquiera, aunque ahora muy aggiornados y con estéticas diferentes bien contemporáneas); y todos se nuclean alrededor de la que es la gran atracción: un gran patio central con mesas y bancos de madera, donde también hay hermosas y verdes plantas. Allí es posible sentarse a tomar el fresquito de la noche, escuchar música en vivo que sale de alguna de las galerías, encontrarse con artistas –dan talleres de serigrafía, de ilustración, fotografía, a toda hora–, y también, por qué no, hasta comprar alguna obra –tienen precios accesibles- y tomarse una cervecita. Pero ¡atención! Estos trabajos no son tradicionales: aquí hay desde pinturas hechas con esmalte de auto chorreante hasta dibujos de un centímetro y esculturas de perros de pana rellenas de algodón, tamaño extra-small (de bolsillo).

“Ahora la totalidad de los espacios está ocupada”, explica Martín Ramón, dueño de la magnífica Moebius. “En total son unos 55 localcitos. En algunos de ellos quedaron antiguos inquilinos de los 90, como por ejemplo, la japonesa que tiene una tintorería, los muchachos de la tapicería, o los que tienen un bar-café en el último piso”, explica.

Hay una curiosidad: sigue estando allí –y cocinando para los artistas jóvenes– Antonio Varela, plomero y parcial ideólogo del proyecto “arty” del Patio del Liceo. Varela llegó a la galería a arreglar unos caños rotos en la década del 90, cuando estaba alicaída y llena de tapiceros. Por 1997 el espacio se encontraba abandonado, no tenía luz, ni agua ni nada. Pero él se quedó. De a poco fue recibiendo allí a artistas jóvenes. Junto al joven abogado Hernán Taraman -piedra fundamental de la orientación cultural del proyecto- lo fue transformando en una especie de raro centro cultural.

Pinturas que parecen otra cosa, joyas hechas con elementos de modistas, ropa estilo vintage con mucha lentejuela; vasos y platos de vidrio sellado; un mural de Los Ramones en el baño, y mucho personaje “arty” debatiendo sobre fotografía, moda y diseño, rodeados de helechos: los viernes y sábados, la cosa se arma. Es como zambullirse en una pileta mental.

Fuente: Revista Ñ Clarín

HOMENAJEARON AL ARTISTA CARLOS GALLARDOFRENTE AL TEATRO COLÓN

Fue recordado el sábado, a cinco años de su muerte. Volvió a emplazarse su instalación “A toda orquesta II”, con atriles que contienen césped, en la Plaza Lavalle.

Partituras. La obra de Gallardo se había instalado para reinaugurar el Colón en el año 2010. / MARTÍN BONETTO

 

Por Juan Carlos Antón

 

“Mientras uno lo recuerde, él siempre va a estar vivo”, dijo el sábado el prestigioso coreógrafo Mauricio Wainrot sobre el artista plástico, escenógrafo y vestuarista Carlos Gallardo, quien fuera su pareja durante 32 años y que falleció hace cinco en un accidente automovilístico camino a la provincia de Córdoba. Wainrot pronunció esa frase ante un público integrado por familiares, amigos y admiradores en la céntrica Plaza Lavalle, justo frente al Teatro Colón. Allí reinauguró la obra A toda orquesta II, una original creación de Gallardo, integrada por 36 atriles que, en vez de partituras, tienen bloques de césped.

Wainrot, director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, recordó que la instalación se había montado para reinaugurar el Teatro Colón en el año 2010: “Hay una versión más pequeña de esta obra en el Tigre, en casa de un coleccionista que tiene mucha obra de Carlos. El lugar es perfecto frente al Colón porque se produce un diálogo interesante. La gente se sacaba fotos con la obra, ya era familiar. En diciembre pasado la sacaron y mucha gente, incluso compañeros del Colón, donde yo hice Carmen el año pasado y éste, me preguntaba por qué. Pensamos en muchos lugares para volver a instalarla pero al final se decidió regresar acá y realmente estoy súper agradecido. Espero que la dejen un tiempo largo”.

Pero además de la obra, el deseo de los presentes fue homenajear a Gallardo. “Justo hoy se cumplen 5 años de su muerte –reflexionó Wainrot–. De él tengo todos los recuerdos que te puedas imaginar. Nos casamos hace diez años en Bélgica, ya que todavía no había matrimonio igualitario acá. Yo era coreógrafo residente del Ballet Real de Bélgica”.

Además del amor, Wainrot  y Gallardo conformaron una sociedad artística. Hicieron más de treinta obras juntos y trabajaron en 48 compañías de danza alrededor de todo el mundo. Su trabajo recibió amplia trascendencia internacional.  Y todos los amigos presentes en la reapertura precisamente recordaron esa unión. La senadora Norma Morandini  –“gran amiga de Carlos, una “hermana” de Mauricio Wainrot– señaló: “Fue muy brutal su muerte. Me acuerdo el día de lluvia, con lo que son las muertes en el camino como simbología. Siempre pongo el ejemplo de Mauricio y Carlos. Eran un equipo. Nunca te dabas cuenta de la individualidad. Y me parece que esa es la mejor metáfora para nuestro país. Que un día podamos tener un ballet como el de Mauricio donde el todo es más importante que las partes”.  Por su parte, la legisladora porteña María Eugenia Estenssoro, también presente, comentó: “Yo a Carlos lo conocí cuando tenía 20 años. El era el diseñador en una revista de arte y yo una aprendiz. Toda la vida fuimos amigos. Es como familia. Lo extraño mucho a él y a ellos juntos como pareja, como artistas. Vi toda su evolución hasta convertirse en artista plástico y escenógrafo”.

“A toda orquesta II”. obra del reconocido plastico carlos gallardo.

A su turno, Hernán Lombardi, ministro de Cultura de la Ciudad, resaltó lo pertinente de que A toda orquesta II esté emplazada frente al Colón: “Es una obra magnífica, tremendamente simbólica. Si bien no fue concebida para este lugar, pareciera que sí porque tiene esa magia para mí extraordinaria entre el arte, la naturaleza y la cultura, tan propia de los hechos urbanos.  Si hubiera sido soñada para este lugar, no podría haber sido soñada mejor. Además pertenece a este gran tipo que creó cosas maravillosas de las cuales seguimos disfrutando”, destacó.

Finalmente, el grupo coral Orfeón Carlos Vilo ofreció un mini concierto con cuatro obras de Carlos Guastavino. Vilo, primo de Gallardo, con lágrimas en los ojos, señaló: “Yo estoy conmocionado y es un honor esta acá. Carlos tenía una preciosa voz y ha integrado un conjunto conmigo al principio. Todos los que lo conocimos supimos la clase de persona que era”.

Gallardo, expositor en Nueva York, Basilea y Montreal, entre tantas capitales del mundo, artista reconocido y querido, ahora vuelve a tener una obra suya frente al porteño teatro Colón, donde su recuerdo, sin dudas, se mantendrá vivo.

Fuente: Revista Ñ Clarín/clarin.com

COMPRÓ UN PICASSO A 100 EUROS

Autorización. Olivier Picasso, nieto del artista, avaló el sorteo. / TIMOTHY CLARY

El miércoles a la noche, Jeffrey Gonano, un joven de 25 años que trabaja en una empresa de seguros contra incendios en Pittsburgh, Estados Unidos, cenó con amigos y familiares en un restaurant: festejaban que el número de Gonano resultó ganador en la rifa que sorteó Hombre con sombrero de ópera, una obra de la etapa cubista de Pablo Picasso que está valuada en un millón de dólares pero que a Gonano le costó sólo 100 euros.

Es que la Asociación Internacional para la Salvaguarda de Tiro, una localidad libanesa declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, organizó una especie de lotería en la que fueron vendidos casi 50 mil números a 100 euros cada uno –lo que da una recaudación de unos 5 millones de euros– y Gonano fue el afortunado en un sorteo que se realizó en la sede parisina de Sotheby’s el miércoles.

“Vi una noticia en Internet cuando buscaba una obra de arte para mi casa y pensé que sería interesante”, dijo Gonano, que, según expresó, pretende conservar la obra. Experto en el tema, no tardará en ampliar la póliza de su seguro.

Fuente: clarin.com

ARTE DEL ANTIGUO EGIPTO EN EL CAIRO

Un sarcófago de alrededor de 1070 a 945 años antes de Cristo, en una exposición en el Museo Egipcio de El Cairo, el 7 de abril de 2010



Foto de Victoria Hazou/AFP/Archivos

AVIDEZ CHINA POR EL ARTE OCCIDENTAL

Una mujer observa una obra del holandés Rembrandt en Pekín el 28 de noviembre de 2013. Obras de Rembrandt, Picasso, Renoir o Rodin se subastarán en Pekín, mostrando el creciente apetito chino por el arte occidental

Foto de Wang Zhao/AFP

UNA JOYA DE LA ARQUEOLOGÍA

Les presentamos toda una joya de la arqueología. Es la escultura de un león de grandes dimensiones con una cabeza entre sus patas delanteras, un motivo muy conocido dentro de la simbología íbera. Está casi en perfecto estado de conservación precisamente porque estiman que la puerta donde estaba ubicado dejó de utilizarse en el siglo I a.C. Sin embargo todavía aún hay que estudiarlo, pues su inesperado hallazgo ha sido toda una sorpresa. Estaban construyendo un acceso para que los visitantes llegaran hasta la muralla norte, cuando han dado con él. (Ambiente "Y justamente estaba aquí el león") Un descubrimiento que devuelve la ilusión a estas excavaciones que ya sorprendieron cuando sacaron a la luz este valioso mosaico: el Mosaico de los Amores. Porque lo intentan descubrir aquí, es esta impresionante ciudad que tendría unos veinte mil habitantes y unía a la Península con Roma para la minería y la plata. Una ciudad, Cástulo, que existió hace miles de años y que gracias a estos descubrimientos nos va narrando poco a poco su historia. Vicente Barba, director de la excavación de Cástulo.

PICASSO EN NUEVA YORK

La obra del español Pablo Picasso "La pintura y su modelo en un paisaje" es exhibida el 31 de octubre de 2013 en una galería del a firma de subastas Christie's, en Nueva York

Foto de Don Emmert/AFP

EL GRECO EN LUXEMBURGO

Visitantes observan una pintura del artista Doménikos Theotokópoulos, más conocido como "El Greco", durante una exhibición en el Museo de Luxemburgo, el 7 de octubre de 2013 en París

MODIGLIANI BUSCA NUEVO DUEÑO

Un empleado de la empresa Sotheby's señala un cuadro de de 1919 del pintor italiano Amedeo Modigliani, del coleccionista Roger Dutilleul, subastado el 4 de diciembre de 2013 en París

Foto de Patrick Kovarik/AFP

EL ADN HUMANO MÁS ANTIGUO DEL MUNDO

En Atapuerca encontramos nuevas respuestas a las eternas preguntas. Se trata de un descubrimiento que ha salido de un simple fémur: el ADN humano más antiguo del mundo. Es un salto en el tiempo increíble porque hasta ahora el ADN más antiguo encontrado tenía 100.000 años. El nuevo hallazgo es preneanderthal y de momento ya conocemos que es una especie humana de origen siberiano.

REMATARON EN GINEBRA COSAS DE LOS ZARES

Más de  230 cartas  de los zares de Rusia Nicolas I, Alejandro  II y sus familiares alcanzaron 837.000 dólares (607.000 euros) en un remate en Ginebra

Foto de Kirill Kudryavtsev/AFP/Archivos

PICASSO, MIRÓ, CHAGALL Y OTROS EN SOTHEBY'S DE NUEVA YORK

Algunos cuadros del pintor Pablo Picasso (D), de Joan Miro (C) y de Marc Chagall (I) dispuestos al público en una exhibición de Sotheby's en New York, el 1 de noviembre de 2013

Fuente: Foto de Emmanuel Dunand/AFP

DAMIEN HIRST SIEMPE ACTIVO

El artista británico Damien Hirst posa junto a una de sus obras de arte en una exposición en Londres, el 2 de abril de 2012

Foto de Ben Stansall/AFP/Archivos jue, 12 dic 2013

TINTAS CHINAS CHINAS EN EL MET

'Shanghai, China, 15-16 Octubre 2004', de Shi Guorui, expuesta en la muestra sobre la tinta china en el Metropolitan Museum de Nueva York, el 9 de diciembre de 2013


Fuente: AFP

HENRY MOORE EN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

Una de las esculturas que forma parte de la exposición que La Caixa y la Fundación Henry Moore inauguraron hoy y que se ha instalado en el paseo de la playa de Las Canteras, en Las Palmas de Gran Canaria. 

Un hombre contempla una de las obras que forma parte de la exposición de las esculturas del artistas inglés Henry Moore que La Caixa y la Fundación Henry Moore inauguraron hoy en el paseo de la playa de Las Canteras, en Las Palmas de Gran Canaria.

Varias personas contemplan una de las obras que forma parte de la exposición de las esculturas del artistas inglés Henry Moore que La Caixa y la Fundación Henry Moore inauguraron hoy en el paseo de la playa de Las Canteras, en Las Palmas de Gran Canaria

Fuente: EFE

EXPOSICIÓN MAYA EN MÉXICO

Vista general de un grupo de piezas de la cultura maya exhibidas en el Palacio Nacional en Ciudad de México, México.

Vista general de las más de 450 piezas que se exponen a partir de hoy en Palacio Nacional de México , varias de ellas inéditas, que dan cuenta de la gran riqueza y diversidad de la cultura maya.

Un hombre observa un grupo de piezas de la cultura maya exhibidas en el Palacio Nacional en Ciudad de México, México.

Fuente: EFE

DALÍ BATIÓ RÉCORDS EN MADRID

La muestra que dedicó a Salvador Dalí el Museo Reina Sofía, se convirtió en la más visitada de las organizadas nunca en Madrid.

Fuente: EFE/Archivo

NUEVA SALA MONOGRÁFICA EN EL MUSEO DEL PRADO

Varias personas observan el 'Retablo de la Virgen' del Maestro de Torralba, que se muestra en la nueva sala monográfica del Museo del Prado, dedicada a la exhibición de la importante donación de obras realizada el pasado mes de enero por la familia Várez Fisa.

'Retablo de la Virgen' del Maestro de Torralba, que se muestra en la nueva sala monográfica del Museo del Prado, dedicada a la exhibición de la importante donación de obras realizada el pasado mes de enero por la familia Várez Fisa,

Fuente: EFE

EL TEATRO COLÓN SE LLENA DE PRIMERAS FIGURASDE LA MANO DEL MOZARTEUM

Clásica

La institución anunció su temporada 2014 con grandes visitas como Daniel Barenboim y la Orquesta Nacional de China

Barenboim, figura de la temporada 2014. Foto: K. JOSCH / AFP

Por Helena Brillembourg  / LA NACIÓN

Para rendirle homenaje a quien fuera el alma de esta institución, nada mejor que el anuncio de una temporada como la que anticipó el Mozarteum para 2014. Es la primera vez que se realiza sin la experimentada mirada de Jeannette Arata de Erize, pero no queda duda de que su legado está impreso en esta programación en la que el público podrá disfrutar de los mejores intérpretes, voces y directores que actualmente brillan en el mundo y que llegan al país de la mano de esta organización para presentarse en el Teatro Colón. Será una temporada especial en la que se destaca, por sobre todo, la visita de importantes orquestas sinfónicas. Algunas regresan luego de exitosas presentaciones anteriores, como es el caso de la Orquesta West-Eastern Divan, dirigida por su fundador Daniel Barenboim, y otras que visitan el país por primera vez, como la Orquesta Nacional de China.

La inauguración oficial de la temporada será en abril, con dos presentaciones a cargo de la Orquesta de Cámara de Munich, una de las más antiguas y respetadas de Europa. Se destaca por combinar tradición con innovación y reside en el Prinzregententheater de Munich. En esta visita presentarán al trompetista sueco Hakan Hardenberger, uno de los solistas más destacados en la actualidad, de conocida predilección por la música contemporánea, quien vuelve como artista consagrado luego de su visita durante la temporada de 1993, cuando apenas iniciaba su carrera.

Para mayo están programadas tres presentaciones de gran envergadura. La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, considerada entre las más destacadas organizaciones musicales de la actualidad, será la primera. En esta segunda visita estarán dirigidos por el letón Mariss Jansons, su director titular y quien durante la presente temporada ofreció dos conciertos inolvidables para el público argentino al frente de la Royal Concertgebouw Orchestra. Junto a la agrupación germana se presentará por primera vez en el país Mitsuko Uchida, notable pianista nacida en Japón.

La segunda presentación en mayo contará con un gran talento del piano: el argentino Nelson Goerner llegará desde Ginebra, donde desarrolla una importante carrera internacional para ofrecer dos recitales en la institución con la que mantiene una estrecha relación.

Para la última presentación de mayo y cuarta del programa anual, tendrá lugar una visita inédita. Por primera vez en la Argentina se presenta la Orquesta Sinfónica Nacional de China, máxima institución filarmónica de ese país y considerada por la revista Gramófono entre las diez orquestas de mayor proyección mundial. Bajo la batuta de Li Xincao contará con la participación especial de Li Biao, calificado por la crítica especializada de uno de los grandes solistas en percusión.

Durante las dos presentaciones de junio, la música de cámara vuelve a decir presente. En esta ocasión: la pianista rusa Elena Bashkirova, directora de la Jerusalem Festival Chamber Ensamble, acompañada por el Cuarteto Erlenbusch, cuyo primer violín es Michael Barenboim, hijo del director argentino-israelí.

Agosto brillará con el retorno de la Orquesta West-Eastern Divan, organismo sinfónico fundado por Barenboim como una prueba fehaciente del lenguaje universal de la música e integrada por talentosos jóvenes israelíes y palestinos. Serán dos los conciertos que vendrá a dirigir el maestro luego de haber cumplido tres años de su última actuación para el Mozarteum.

Ese mismo mes, en lo que será el séptimo evento de la temporada, Joyce DiDonato, estrella de la lírica que brilla en las grandes salas del mundo, ofrecerá dos recitales. La mezzosoprano de coloratura, de nacionalidad norteamericana y especializada en roles de Mozart, Handel y Rossini, vuelve luego de haber obtenido hace dos años resonantes actuaciones para el público de la institución.

El año próximo estará distinguido de manera especial por la visita de grandes orquestas. Eso se reafirma en la presentación de la orquesta Filarmónica de Dresde, de gran vinculación con el Mozarteum, en septiembre. Ofrecerá dos conciertos para la octava función de la temporada. Dirigida por el alemán Michael Sanderling tendrá la participación especial de la violinista Carolin Wildmann.

Octubre contará con la presentación de Sol Gabetta, violonchelista argentina considerada una de las mejores intérpretes de ese instrumento en la actualidad. En su presentación subirá al escenario junto a la Orquesta de Cámara de Basilea, dirigida por el director y flautista italiano Giovanni Antonini.

El cierre de esta temporada estará a cargo del contratenor francés Phillippe Jaroussky, quien grabó un disco este año con el repertorio de Farinelli, el "castrato" y de Porpora, su compositor de cabecera. Junto al Ensamble Artaserse ofrecerá dos presentaciones en noviembre.

Además de su temporada de abono, el Mozarteum continuará ofreciendo el Abono Especial de Música para la Juventud para menores de 25 años. También sus ciclos de Conciertos del Mediodía en su 55» temporada, así como la continuación de todas las actividades de las filiales en el interior del país. A su vez, a través del programa de becas continuará el apoyo a la formación de los jóvenes músicos argentinos. En febrero se conocerán en forma más detallada los programas de cada una de las presentaciones de esta prometedora temporada.

Fuente: lanacion.com

NOTABLE COLECCIÓN DE CUERDAS EN EL MUSEO ISAAC FERNÁNDEZ BLANCO

Cultura

La institución abrió una nueva sala con 14 instrumentos entre los que se cuentan un Guarnerius del Gesù, de 1732

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Todos los instrumentos están en condiciones de ser ejecutados. Foto: Fabián Marelli

Por María Elena Polack / La Nación

El Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco ha inaugurado una sala que es una joya para América: la Colección de Instrumentos Notables, liderada por un violín Guarnerius del Gesù, de 1732, y completada por otras 13 cuerdas, entre las que se destacan violas y violines de los siglos XVII y XVIII.

Además de poder visitar la sala, lo más destacado y novedoso de la exhibición es que, a partir del año próximo, el museo ofrecerá una temporada de conciertos con abono durante los cuales se ejecutarán por lo menos dos de estos instrumentos de colección que fueron restaurados y puestos a punto por el lutier argentino Horacio Piñeiro.

"En 2007 recuperamos la colección que estaba en el Teatro Colón, y comenzó una tarea de investigación, reclasificación, restauración y puesta a punto", explicó el director del museo, Jorge Cometti, a LA NACIÓN, que aclaró: "El Guarnerius del Gesù, que entre nosotros lo llamamos el violín del Tata, jamás salió de nuestro museo. Y siempre estuvo guardado en su estuche".

Isaac Fernández Blanco había adquirido el Guarnerius del Gesù en una subasta en París. Su último propietario había sido el violinista francés Jules Armingaud, quien había vendido su Stradivarius para comprarlo. Es el instrumento con el cual el primer coleccionista privado de nuestro país aparece en el retrato que León Bonnat pintó en París, en 1909.

"Fernández Blanco era un violinista aficionado y ha coleccionado muchos instrumentos musicales de dos siglos. Estamos trabajando para poder exhibir los demás instrumentos. En cuerdas son unos 50 entre arpas, pianofortes, guitarras, violas da gamba y muchos vientos. Hemos comenzado con esta sala, merced a la ley de mecenazgo que nos ha permitido tener el respaldo de American Express", señaló Cometti al hacer hincapié en que dedicaron cinco años "desde la recuperación de los instrumentos hasta poder exhibirlos en sala".

La Sala de Instrumentos Notables se completa con los violines Francesco Gobetti (1715), Santo Serafin (1730), Andrea y Giuseppe Guarneri (1695), con cabeza de Carlo F. Landolfi (1760), Gioffredo Cappa (1700), Camillo Mandelili di Calco (1901, 1905 y 1907), Giovanni Batista Guadagnini (1747) y Antonio Mucchi (1864), las violas Lorenzo Storioni (1780), Giovanni Grancino (1690) y Pietro Giovanni Mantegazza (1783) y el violín "pochette" Camillo Mandelli di Calco.

El nuevo espacio cuenta con una pantalla táctil con videos en los que se pueden apreciar distintos fragmenos de obras ejecutadas por las cuerdas exhibidas y que fueron filmados en distintos lugares del museo. Próximamente habrá headsets con MP3 para que el público pueda escuchar los temas.

Ubicado en Suipacha 1422, de esta ciudad, el museo alberga un amplio acervo histórico de más de 14.000 piezas. Puede visitarse de martes a viernes, de 14 a 19; sábados, domingos y feriados, de 11 a 19.

Fuente: lanacion.com

LA BASÍLICA QUE DESDE PALERMO ES ORGULLO DE TODA LA CIUDAD

Es la de Nuestra Señora de Guadalupe, una belleza arquitectónica con más de 100 años.

Torres. Tienen 54 metros y cada una tiene un imponente reloj. / J J TRAVERSO

Por Eduardo Parise

En todo viaje, las bellezas arquitectónicas suelen ser uno de los principales atractivos. Y muchas veces, la atención se centra en imponentes obras que se relacionan con la religión. Buenos Aires no es la excepción y hay templos que se destacan en toda la Ciudad por su belleza o por su historia. Sin embargo, hay algunos que pasan desapercibidos, inclusive hasta para los propios vecinos. Uno de esas construcciones monumentales pocas veces admiradas es la Basílica del Espíritu Santo y Parroquia de Nuestra Señora de Guadalupe, toda una tradición en el viejo barrio de Palermo.

La devoción por esta virgen en ese barrio surgió cuando inmigrantes llegados a fines del siglo XIX promovieron la creación de una capilla que se inauguró en 1890. Seis años después, se nombraba como primer párroco al padre Antonio Ernst, miembro de la Congregación del Verbo Divino, que se encargaba de administrarla. La congregación, de origen alemán, estaba en el país desde 1899. La capilla ya estaba bajo la advocación de la virgen de Guadalupe, patrona de México y Filipinas y considerada “emperatriz de América”.

En apenas unos años más, la capilla ya resultaba chica para aquel barrio en continuo crecimiento. Por eso decidieron la construcción del nuevo templo. La piedra fundamental (está detrás del altar mayor) se colocó en 1901 y se inauguró en 1907, en ese lugar donde confluyen la calle Paraguay con Guatemala, frente a la actual plaza Güemes. En esa pequeña plazuela, actual centro de siete bocacalles, supo haber una pequeña laguna, extensión de algún bañado del entonces no muy lejano arroyo Maldonado.

La Basílica impacta. De típico estilo románico con una planta de cruz latina (una nave central, dos laterales y un crucero), afuera se destacan las dos torres que miden 54 metros de alto. Con una ligera tendencia gótica expuesta en esa altura, en cada una de ellas hay un imponente reloj, cuya máquina es de origen alemán. El carillón tiene tres campanas. Más arriba de los relojes, están los campanarios propiamente dichos que contienen cinco campanas fundidas en el pueblo de Bochum, también en Alemania.

No es extraño, porque la mayoría de los materiales usados en la construcción de la Basílica llegaron desde Europa: el granito negro puesto en las columnas es de Austria; las baldosas, de Alemania y los brillantes vitreauxs, de Francia. También hay materiales nacionales como los mármoles y las maderas. En el frontis se destaca la imagen de Jesucristo en la cruz, como símbolo del calvario. Todo el edificio fue pensado por el padre Juan Beckert, un arquitecto integrante de la Congregación.

En el interior hay siete altares que se reparten en la gran nave central (mide 53 metros de largo por 20 ancho) y en las naves laterales. La altura interior ronda los 20 metros y el crucero, de punta a punta, alcanza los 43 metros. En el altar de la virgen de Guadalupe hay una imagen que fue traída desde México. Y se dice que todo el conjunto de la Basílica es el símbolo de “la Teología puesta en piedra”, porque en cada columna hay un símbolo y en cada arco, una interacción.

La fiesta de Nuestra Señora de Guadalupe se celebró el jueves último. Y la ceremonia se repite en cada 12 de diciembre (en México, el santuario de Guadalupe, ubicado en el cerro del Tepeyac del Distrito Federal, es visitado ese día por más de 5 millones de personas). Es una manera de recordar a esa imagen y evocarla en un edificio impresionante que ya superó el siglo de existencia en ese antiguo Palermo, un barrio con mucho pasado y muchos personajes que también dejaron su huella.

Es el caso de Evaristo Francisco Estanislao Carriego, un chico que a los 14 años llegó a la zona con su familia, para instalarse en una casa en lo que hoy es la calle Honduras, entre Bulnes y Mario Bravo. Su vida fue muy breve pero intensa: murió enfermo de tuberculosis el 13 de octubre de 1912. Tenía apenas 29 años. Por entonces ya se lo conocía simplemente como el poeta Evaristo Carriego, el alma del suburbio. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

MONUMENTO A COLÓN:NO IRÁ A MAR DEL PLATA PERO IGUAL LO MUDARÁN

La comunidad italiana y varias ONG se oponen. Detrás de la Rosada, siguen los trabajos para desmantelarlo. El Gobierno nacional y el porteño acordaron sacarlo de donde está y buscarle otro espacio en la Ciudad.

Trabajos. Un andamio rodea al pedestal del monumento, que sigue siendo desmantelado en la plaza que está detrás de la Rosada. /FOTOS: NÉSTOR SIEIRA

Por Silvia Gómez

El desguace del grupo escultórico que sostenía la figura de Cristóbal Colón no se detiene. El sábado, y debajo de un sol impiadoso, una cuadrilla de obreros continuaba desmantelando las partes del monumento que la comunidad italiana donó en 1910 por el centenario de la Revolución de Mayo. Y en las últimas horas trascendió que los gobiernos de Nación y Ciudad habrían llegado a un acuerdo que dejaría las cosas en un virtual empate: el monumento no se trasladaría a Mar del Plata, sino que se mudaría a otra plaza porteña.

Según pudo reconstruir Clarín, ambos gobiernos llegaron a este acuerdo pero ahora buscarán contar con la aprobación o el apoyo de las asociaciones italianas, que son muchas; y aunque poseen opiniones diversas en relación a este tema, la mayoría estaría en contra. Los italianos conforman la mayor comunidad europea en el país, incluso superando a la española.

“Nos oponemos categóricamente al traslado del monumento”, sentenció el abogado Alejandro Marrocco, representante legal de siete asociaciones italianas. “Hay una ley, la 5105, que dice que tiene que estar ahí porque fue voluntad de los donantes. No podemos avalar este traslado y que los contribuyentes de la Ciudad o de la Nación terminen pagando por él”, opinó Marrocco. 

Estatua. Acostada desde el 29 de junio; corre riesgos de sufrir daños.

“Vamos a presentarnos ante la Justicia para denunciar que continúan desmantelando el monumento. Vamos a pedir que remuevan la grúa y todo otro equipo apto para el desmonte y finalmente que se aperciba a los funcionarios públicos involucrados, para que sean pasibles de responsabilidad patrimonial en relación a los daños ocasionados en la estructura”, contó Marrocco, quien representa, junto a Dario Ventimiglia, a las asociaciones Cultura Nazionale, Cristiana de Trabajadores Italianos, Mutualidad y Cultura de Almirante Brown, Mutualidad de San Miguel, al Centro Cultural Italiano, a la Federación de Asociaciones Bonaerenses de Italianos en Argentina y Unione y Benevolenza. También pedirán a la Justicia que se reabra la plaza, cerrada al público después de la crisis de diciembre de 2001.

Lo cierto es que la Justicia es la gran ignorada en esta causa. Mientras se espera el fallo sobre la cuestión de fondo –determinar quién tiene potestad sobre el Monumento a Colón– se prorrogó la cautelar que impide su traslado. El miércoles, la jueza federal Liliana Heiland le ordenó “al Poder Ejecutivo Nacional que se abstenga de concretar cualquier acto que implique el desmantelamiento, desmembramiento y/o traslado del grupo escultórico y/o de sus partes fuera de la Plaza Colón”. Todo esto, hasta que exista “sentencia definitiva y firme” sobre la cuestión.

La Legislatura había declarado al monumento patrimonio de la Ciudad. Y la semana pasada, a instancias de los diputados del PRO, se votó una ley que amplió el Area de Protección Histórica en la que está la escultura. Cuando la norma, que requiere una audiencia pública y una segunda lectura, sea aprobada, la estatua no podrá ser alterada ni removida.

Desarmadas. Las esculturas de la base también fueron desarmadas.

“Hay un proceso legal que debe atenderse y el único acuerdo debe hacerse ante la Justicia. Pero es obvio que a ninguno de los dos gobiernos les importa lo que dice la Justicia. Estos arreglos entre funcionarios generan mucho desasosiego”, le dijo a Clarín María Carmen Arias Usandivaras, de la ONG Basta de Demoler.

En el lugar del monumento a Colón se colocará otro en memoria de la heroína de la Independencia, Juana Azurduy, nacida en Bolivia. La orden para llevar a cabo este cambio fue dada por la propia presidenta Cristina Fernández de Kirchner. En estos últimos días, los trabajos de desmantelamiento se intensificaron: entre jueves y sábado se podía ver a nivel de la plaza una parte de la cara trasera del pedestal, que miraba hacia la Casa Rosada. Se trata de las figuras de una mujer y dos hombres que formaban parte de un mensaje en relación a “la fe triunfante y la llegada de la religión a América”.

“No puede haber conciliación entre dos demandados. Tiene que decidir la Justicia y no Nación y Ciudad. Todo el esfuerzo de una comunidad humilde y trabajadora no puede ser moneda de cambio de intereses políticos de los gobiernos de turno.

Hay que respetar la voluntad de los donantes”, opinó Horacio Savoia, del Círculo Italiano.

Hoy por la tarde, en una reunión convocada por la Ciudad, se sabrá si en la comunidad italiana avalan el acuerdo entre ambos gobiernos. Y entonces se podría comenzar a evaluar el destino final del monumento, de 623 toneladas y trabajado en mármol de Carrara por el escultor Arnaldo Zocchi.

¿Quién gana? El otro Cristóbal

Por Guillermo Kellmer

Todas las disputas que macrismo y kirchnerismo sostuvieron en los últimos años, parecen haberse resuelto en los últimos días. Cuando Jorge Capitanich llevaba pocos días como jefe de Gabinete y convocó a Mauricio Macri a una reunión en la Rosada, el jefe de Gobierno dijo que esperaba que la cita no sólo fuera para la foto.

Hubo foto, sí. Pero además una serie de arreglos conjuntos que luego se irían revelando.

Pocos días antes, el ministro de Interior Florencio Randazzo anunció que Cristina había aprobado que se corriera unos 1.000 metros del cerco del Aeroparque para que la Ciudad pudiera concluir la extensión de la autopista Illia. Una obra con 10 años de atraso que supuestamente demandaba el movimiento de una torre de control de la que nadie se quería hacer cargo de su costo. Al día siguiente del OK presidencial, ya estaban las máquinas trabajando y se estima que en pocos meses la autopista Illia unirá finalmente el Centro porteño con la General Paz.

Claro que los créditos y la obra en la Illia con la que en definitiva ganarán los vecinos eran sólo parte del cotillón. El acuerdo entre Macri y el Gobierno tenía un claro ganador: Cristóbal López, al que lo bendijeron con el perdón a una deuda estimada en $ 2.000 millones y la posibilidad de que sus casinos y tragamonedas en la Ciudad sigan sin tributar Ingresos Brutos.

El Gobierno porteño habló de una acuerdo por el que recibirá $ 300 millones más por año. Es cierto y tan cierto como que no controla lo que factura López y que el convenio fue aprobado en la Legislatura por macristas y kirchneristas en apenas 15 minutos, a sobre cerrado y sin un discurso que defendiera lo indefendible.

Fue la misma Legislatura que con los votos macristas aprobó dos leyes para proteger a Colón y evitar su mudanza. Leyes inútiles porque está todo arreglado. De los dos Cristóbal, el que gana es López. Se ve que defender a Colón ya no garpa.

Fuente: clarin.com

NUESTRA OPINIÓN:

¿¿¿De qué empate nos habla Clarín??? ¿¿¿Entre quién y quién???
Aquí hay una clara ganadora: la presidenta de la Nación, que una vez más, a un costo altísimo - monetario, de logística carísima, de llevarse por delante toda la historia anterior, de disgustos y protestas de la colonia italiana y las ONG involucradas en este asunto, de sus habituales manganetas y chicanas legales y judiciales - se salió con la suya con su capricho chavista, que, claramente, era removerlo a Colón.
Una vez más, la presidenta de la Nación y su gente nos mintieron descaradamente y se burlaron de todos nosotros.
Desde el principio mismo de este asunto se supo, y lo denunciamos hasta el hartazgo, que la presidenta de la Nación y su gente, echando mano de procedimientos turbios, tramposos y con métodos patoteriles, de manera realmente repudiable, estaban creando el hecho consumado respecto del Monumento a Cristóbal Colón.
La meta era clara: el tema debería no tener vuelta atrás.
Al principio, la presidenta se mostró preocupada por el supuesto estado de deterioro del monumento. ¡Mentira! ¡Falso de toda falsedad!
Si el monumento estaba en tan mal estado, por supuesto se daba por sentado que lo más contraindicado, era moverlo.
Más adelante, tuvimos la confirmación de que el monumento ya había sido restaurado en 2006.
Nunca creimos en el supuesto interés de la presidenta en el estado de conservación del monumento a Colón y lo dijimos clara, explícitamente.
El tema era darle el gusto post-mortem al comandante bolivariano Chávez.
Por otro lado... ¿¿¿desde cuándo Cristóbal Colón fue un genocida???
¡¡¡Son revisionistas histéricos, no históricos!!!
A los pocos días de empezados el desguace y la destrucción del monumento, la presidenta, en el Instituto Balseiro de Bariloche, reconoció ante la prensa que la intención era sustituirlo a Colón por Juana Azurduy.
¿Hubiera sido menos homenaje que al monumento a Juana Azurduy se lo emplazara en cualquiera de los miles y miles de otros lugares que hay disponibles dentro de la Ciudad?
Nunca hablaron de los gastos que generaban todos estos movimientos en alquiler de grúas, etc. ¿No hubiera sido bueno, edificante, dar ejemplos de austeridad y de no de dilapidación de recursos en un país con tanta pobreza y con tantas necesidades básicas insatisfechas?
¿Con los miles y miles de dólares gastados sólo en alquiler de grúas no se hubiera podido dotar a las comunidades Qom del NOA con el agua potable de la cual carecen y por la que claman desde hace tiempo?
Como esta gente no escatima en manganetas ni en gastos cuando se trata de llevar a cabo algún antojo presidencial, a pesar de lo que dictaminado por la Justicia, siguieron trabajando día y noche para desguazar el Monumento a Colón con operarios que era evidente que no no estaban habituados al manejo de obras de arte.
El Monumento ha sido maltratado, roto, mutilado, y hemos presentado las pruebas fotográficas colectadas por la meritoria gente de SALVEMOS LAS ESTATUAS.
El traslado a Mar del Plata no era un problema. La presidenta de la Nación no tenía ni tiene jurisdicción sobre el monumento ni para decidir sobre su traslado. Se le "fabricó" sólo con la intención de removerlo de donde estaba para salirse con la suya. El objetivo siempre fue otro.
El monumento a Colón no es de propiedad de la presidencia ni del Estado Nacional. Fue un regalo de la colonia italiana a todo el pueblo argentino. Y la depositaria de ese regalo, es la Ciudad de Buenos Aires, que es la Capital Federal de la República y es quien tiene jurisdicción sobre la obra de arte en cuestión.
Ayer nos preguntábamos qué se puede esperar de un país en el que desde su más alta magistratura se avala la destrucción de una obra de arte tal como se ha hecho en este indignante caso.
¿Son ésos los buenos ejemplos que uno esperaría que se den desde la presidencia a la ciudadanía toda?
Ahora, viene la etapa de darle el gusto al cocalero Morales: ubicar en el lugar de Colón a Juana Azurduy, que a partir de ahora y contradiciendo toda su iconografía anterior, por decreto pasará a empuñar la espada con la mano izquierda. ¿Será un símbolo?
Lamento muchísimo que el Jefe de Gobierno de la Ciudad se haya sentado a negociar sobre este tema con el Jefe de Gabinete del PEN, cuando debió haber insistido judicialmente para que el monumento fuera vuelto a armar en el mismo lugar donde siempre estuvo y de donde nunca debió haber salido.
Me pregunto si no habrán volado el histórico ombú de la Plaza Roma para crear el nuevo emplazamiento para el Monumento a Colón.
Ya lo sabremos.

P.L.B.