"AMALIA", DE ENRIQUE GARCÍA VELLOSO,
EL PRIMER LARGOMETRAJE ARGENTINO


A la Argentina, el cine llegó poco después de su lanzamiento en París, al poco tiempo empezaron a rodarse las primeras producciones nacionales. Entre melodramas, policiales, cintas cómicas y temas camperos; durante el período mudo, se hicieron más de 200 películas; se destacaban los asuntos tangueros de Agustín Ferreyra.
Si bien nunca se organizó una verdadera industria fue con la llegada del cine sonoro, allá por 1933, donde se empezó a poner el foco en maximizar a este arte. La primera exhibición pública fue en 1896 en el céntrico Teatro Odeón de Buenos Aires y fue organizada por el empresario Francisco Pastor y el periodista Eustaquio Pellicer.

Auguste y Louis Lumière, los inventores del proyector cinematográfico.

Entre los films proyectados se encontraba "La llegada del tren", del sello Lumière, que según testimonio registrado en el Diccionario Histórico Argentino (de Piccirilli, Romay y Gianello) "provocó el pánico entre algunos espectadores de la tertulia alta, uno de los cuales al ver la locomotora que avanzaba se lanzó a la platea, lastimándose".
Ya para entonces el belga Enrique Lepage empezaba a interesarse en la importación de aparatos filmadores y proyectores, ante la necesidad de enriquecer su comercio de artículos fotográficos de Bolívar 375, a una cuadra del Colegio Nacional Buenos Aires.
Lo habían entusiasmado dos empleados de su establecimiento, el francés Eugenio Py y el austríaco Max Glücksmann, atentos lectores de los catálogos de la especialidad que enviaban las casas europeas. La mención de la nacionalidad de estos precursores es deliberada, pues el cine también se integra en el bullente fenómeno inmigratorio que caracterizó a la Argentina en el trance al siglo XX. Ya en 1897 llegaron a Buenos Aires las cámaras Elgé, francesas, fabricación de León Gaumont. Fue con una de ellas que Eugenio Py comenzó a filmar, a manera de ensayo. Fue una suerte de amateurismo que habría ganado circunstancialmente a unos pocos aficionados a la fotografía fija. Por obra de Py, el primer producto habría sido un corto de diecisiete metros titulado "La bandera argentina", la insignia patria flameando en el mástil de la Plaza de Mayo, frente a la Casa de Gobierno. El entusiasta Py era un artesano, experto hombre de laboratorio. Otras eran las ilusiones de Glücksmann. Su instinto comercial advirtió él porvenir de la novedad e inició sin dilaciones la venta de aparatos y de vistas, pequeños rollos de actualidad.
Entre 1896 y 1914 el cine mudo se había desarrollado solamente en cortometrajes.

Escena de la película "Amalia" en una habitación. En primer plano, sentados a una mesa, Raquel Aldao con el codo sobre la mesa, José Miguens y Rodolfo Quesada Pacheco con un sable en el cinturón. A la izquierda, de pie, María Delfina Astengo en el papel de Jesusa.
Fotografía blanco y negro sobre papel fotográfico brillante.
Año: 1914 Dimensiones: 24 cm x 18 cm Código: FOT002629
Colección del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken


La ficción histórica creció hacia el largometraje con “Amalia”, del año 1914, sobre la novela homónima de José Mármol. La puesta en escena, el guión, la adaptación y la dirección fueron del dramaturgo Enrique García Velloso. Superó en mucho la escolaridad atribuida a los cortos de Mario Gallo, que había hecho “La Revolución de Mayo” en 1909 y superó las limitaciones de un elenco de no profesionales. La producción fue de Max Glücksmann y la fotografía de Eugenio Py. Es un drama y tiene una duración de 61 minutos. Como es muda, tiene títulos sobreimpresos.
En la película participan integrantes de la sociedad porteña de entonces en calidad de actores y los espectadores también fueron representantes de la burguesía local, quienes se integran al espectáculo como a un juego.
La película se presentó en el Teatro Colón, escenario inhabitual para el cine, en diciembre de 1914.
La importancia de “Amalia” radica en que fue el primer largometraje producido en la Argentina.
Raquel Aldao, que en la ficción representó el papel de Manuelita Rosas, se presentó ante las damas de la Sociedad del Divino Rostro y les contó la idea que había tenido de filmar una película para luego exhibirla cobrando la entrada, a fin de recaudar fondos para destinarlos a solventar parte de las muchas obras de bien que realizaba la entidad. El elenco se conformaría con parientes y amigos, todos amateurs que iban a actuar en forma desinteresada. Integraron también el elenco de “Amalia”, dos hermanos de Raquel Aldao: Ricardo, como Pedro, y Camilo, haciendo el papel de Corvalán.
Según relatos de la misma Raquel, gran parte de las escenas se filmaron en un terreno baldío de la entonces Avenida Alvear, hoy del Libertador, lo que llegó a provocar que en algunas de ellas, se pueda ver que los decorados se mueven por efecto del viento.
Muchas de las escenas en exteriores, con y sin caballos, se filmaron en el Parque Tres de Febrero, en Palermo, donde en esa época era común ver ciervos y ovejas sueltos.


ELENCO DE “AMALIA” DE GARCÍA VELLOSO:


Amalia………………………………...Srta. Susana Larreta y Quintana

Eduardo Belgrano…………………...Sr. Luis García Lawson

Daniel Bello ………………………….Sr. Jorge Quintana

Florencia ……………………………..Srta. Lucía de Bruyn

D. Juan Manuel de Rosas ………….Dr. José Miguens

Manuelita Rosas …………………..Srta. Raquel Aldao

Cuitiño ………………………………..Sr. Rodolfo Quesada Pacheco

Doña Josefa Acosta ………………..Srta. Josefina Acosta

Doctor Alcorta ……………………….Sr. Carlos Morra

Luisa ………………………………….Srta. María Luisa Constanzó

Pedro………………………………….Dr. Ricardo Aldao (h)

Agustina R. de Mansilla …………….Srta. María Carolina Harilaos

Corvalán ……………………………...Sr. Camilo Aldao

Sra. de Dupasquier…………………..Srta. Lola Marcó del Pont

D. Cándido Rodríguez ……………….Sr. Delfín Huergo Paunero

Jesusa ………………………………...Srta. María Delfina Astengo

Mariño …………………………………Sr. Juan Carlos Huergo

Josefa …………………………………Srta. Inés González Guerrico

General Mansilla ……..………………Sr. Enrique Bustillo

Petra.…………………………………..Sra. Florencia Quesada

Felipe Arana.………………………….Sr. José Estrada

Rosa……………………………………Srta. Rosa Huergo

Fermín………………………………….Sr. Enrique Schlieper (h)


Srtas. María Ayerza, Manuela Lloveras, María Teresa Bravo, Susana Estevez, María Luisa y Laura Salas, Silvina Cobo, Mariana Vivot, María Helena Saguier, María Luisa Larreta y Quintana, Carmen y Josefina Zuberbühler, Ana María y Lola Flores Pirán, Josefina y Silvia Lagos García, Delia Guerrico, Arminda Luro Roca, Alicia Richard Lavalle, Carmen Sauze, Tita Yañez, Clara Becú, Elina Cramer, Elisa Luque Bustillo.
Una foto de las Bodas de Oro del Dr. Ricardo C. Aldao y Rosa Freyre de Aldao, padres de los tres Aldao que integraron el elenco de actores no profesionales de Amalia, el primer largometraje argentino. Se los puede ver dentro del rectángulo, de izquierda a derecha, Camilo, Raquel Aldao de Rodríguez - también autora de la idea de hacer el film para recaudar fondos para la Sociedad de Beneficencia de la Capital - y Ricardo (h). Esta foto fue tomada el 24 de mayo de 1936, 22 años después de estrenarse Amalia en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Tengo entendido que una copia de Amalia, verdadero fósil de la cinematografía argentina, se salvó por milagro de un incendio que hubo en la Cinemateca Argentina.
Hace varios años, tuve el raro privilegio de poder ver la “Amalia” de García Velloso en la Sala Martín Coronado del Teatro Municipal General San Martín, sentado al lado de mi tía abuela Raquel Aldao, quien había tenido la idea de hacer la película y que representó en ella el papel de Manuelita Rosas. Al mismo tiempo de la proyección, un pianista ejecutó en vivo música de principios del siglo XX.


Otra escena de "Amalia", el primer largometraje argentino.

Enrique García Velloso, guionista, adaptador y director de "Amalia".


Raquel Aldao

Fue un personaje singular y encantador de un Buenos Aires ya ido y una precursora en muchas cosas a quien quise mucho. Era hija de un gran patriarca propulsor del deporte amateur en la Argentina, el Dr. Ricardo C. Aldao y de Rosa Freyre. Era, por naturaleza, trasgresora. Creo que podría caberle a Raquel algo que Jorge Luis Borges dijo de Victoria Ocampo: “En una época en que las mujeres eran genéricas, tuvo el valor de ser individuo”. En 1916, se consagró como primera campeona femenina en los greens de la cancha de Playa Grande de la
llamada Catedral del golf de nuestro país, el Mar del Plata Golf Club.
 
El Mar del Plata Golf Club. 


Con su hermano César y a escondidas de su padre, se escapaba a volar con Jorge Newbery, el gran deportista y pionero de nuestra aviación, en un precario avión Morane-Saulnier. Raquel iba atrás de Newbery, que piloteaba el avión, “sentada en una tabla puesta de caño a caño”, a modo de asiento y atada con unos correajes, según su propio relato, para no volarse y con unos anteojos como antiparras.
Raquel bailaba admirablemente, fumaba cuando ninguna mujer fumaba y usaba su piel bronceada, cuando entre las mujeres de la época la moda eran la palidez extrema y los polvos faciales de arroz.
Raquel Aldao fue también una de las primeras mujeres que manejaron autos en Buenos Aires y tenía el registro Nro. 5. Los tres primeros carnets para manejar, correspondían a tres hombres, el cuarto a otra mujer y el quinto era el de ella, por lo que es fácil deducir que fue Raquel la segunda mujer que manejó oficialmente habilitada para hacerlo aquí. Raquel, que tenía un gran sentido del humor, durante los últimos años de su vida, estando ya casi ciega, llevaba su carnet de manejar Nro. 5 en su cartera, protegido por una bolsa de plástico, y, sonriendo, lo mostraba como cosa insólita, buscando sorprender a quien quisiera verlo. 

Un avión Morane-Saulnier Type L Airco DH.2 como los que volaba Raquel con Jorge Newbery.


Cuando fue a tramitar su carnet, Jorge Newbery, que a la sazón era algo así como el Director de Paseos y la persona que debía firmar las licencias de conducir, le pidió a Raquel que le diera dos fotos suyas. Ella, muy suelta de cuerpo por la confianza que le daba su anterior trato con Newbery, le preguntó para qué quería dos fotos si con una sola debía bastarle. Newbery, sonriendo admitió que una de las dos fotos la quería para tenerla él.

Jorge Newbery en su avión. 


Tenía Raquel muchísima personalidad, un gran atractivo y muchísimo poder de convocatoria; era quizás más interesante que bonita y causaba sensación en los salones de la época, amén de organizar fiestas que hicieron historia. Siempre fue una mujer elegante y hasta sus últimos días tuvo siempre un toque de gracia o un detalle de buen gusto en su vestimenta.
 



También bailó tango con Eduardo de Windsor, cuando visitó la Argentina siendo Príncipe de Gales - heredero del trono británico – en el Palacio Ortiz Basualdo, sede actual de la Embajada de Francia en Buenos Aires, en la esquina donde se tocan la Avenida Alvear y las calles Cerrito y Arroyo, frente a la plaza Carlos Pellegrini. Eduardo estuvo en la Argentina solo en 1925 y en 1931 volvió, esa vez en compañía de su hermano, el Príncipe Jorge, que después sería Duque de Kent. En su primera visita al país, Eduardo de Windsor se tuvo al Palacio Ortiz Basualdo como residencia oficial. Más adelante, a los once meses de reinar como Eduardo VIII, iba a abdicar al trono británico ante la imposibilidad de casarse con su prometida Wallis Simpson, que era divorciada y vuelta a casar. 



El Palacio Ortiz Basualdo, donde Raquel Aldao bailó tango con el Príncipe de Gales, Eduardo de Windsor, heredero del trono británico, en 1925.

Eduardo de Windsor y Wallis Simpson en una foto de Richard Avedon


Tenía además Raquel una desarrollada sensibilidad artística y un modo plástico de ver el Mundo. Durante años pintó con la guía de su maestro, el gran pintor y escenógrafo Héctor Basaldúa, que tenía por ella una particular estima, puesta de manifiesto en el retrato que le hizo y que Raquel le regaló a mi madre unos años antes de morir. Hizo coloridos paisajes de Buenos Aires, del Tigre, de Ascochinga, Córdoba, naturalezas muertas, retratos, etc.
 
El London Herald anuncia la abdicación del rey Eduardo VIII para casarse con Wallis Simpson: “Eduardo VIII abdica. El rey renuncia a la corona por amor”.

Escena de “Amalia” en una habitación. Sobre la izquierda, una mesa a la que están sentados José Miguens, Raquel Aldao y Rodolfo Quesada Pacheco. A la derecha, de pie, María Delfina Astengo. Colección Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken.

Escena de la película "Amalia" en exteriores, donde aparecen en primer plano, hacia la derecha, sentados en un banco de izquierda a derecha: María Delfina Astengo en el papel de Jesusa, con vestido largo, peinetón y mantilla hablando con José Miguens que interpreta a Rosas, cruzado de piernas y con la mano izquierda apoyada en un bastón; y Raquel Aldao en el papel de Manuelita, hablando con otro hombre. Detrás de pie, una esclava mulata y tres mazorqueros. Muchas de las escenas en exteriores, con y sin caballos, se filmaron en el Parque Tres de Febrero, en Palermo. Colección Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken.

Una escena multitudinaria de “Amalia” que podría perfectamente asociarse con escenas costumbristas plasmadas en sus cuadros por el pintor uruguayo Pedro Figari. Fotografía de la colección del Museo del Cine Pabló C. Ducrós Hicken.

                     
                  Raquel Aldao, izquierda, con su hermana menor, Inés, paseando           Raquel bromeando a bordo.
                    sus perros.

Raquel Aldao retratada por su maestro, el pintor y escenógrafo
argentino Héctor Basaldúa.
Raquel Aldao de Rodríguez, un personaje singular de Buenos Aires, aquí con su marido, el uruguayo Omar Rodríguez y sus hijos Raquel y Ricardo. La foto, del diario La Nación, de Buenos Aires, es de las Bodas de Oro de los padres de Raquel, el Dr. Ricardo C. Aldao y Rosa Freyre de Aldao, el 24 de mayo de 1936.



           Pedro L. Baliña



Link para ver “Amalia”, parte 1/7, en You Tube:
http://www.youtube.com/watch?v=PQcUMfQPjzQ


CÓMO ENTENDER BUENOS AIRES

La ex capilla de los monjes recoletos (hoy Centro Cultural Recoleta) en las barrancas de plaza Francia.
   La ex capilla de los monjes recoletos (hoy Centro Cultural Recoleta) en las barrancas de plaza Francia.

Por Berto González Montaner


La primera recomendación para quien visita Buenos Aires es que lo haga levantando la vista. Se encontrará con una fauna arquitectónica de lo más variada y exótica. La Capital se originó como un pequeño tablero de ajedrez sobre la llanura pampeana. Esa cuadrícula original, que hoy forma parte del Casco Histórico de la Ciudad, se extendió como mancha de aceite hacia el continente. Viéndola desde un avión parece interminable y, de noche, es un espectáculo impresionante.Para entender cómo se fue estructurando y el porqué de su forma actual hay que saber que en los orígenes las mercaderías llegaban en carretas desde el interior a Constitución, Plaza Miserere y Retiro, que eran como centros de transferencia. Luego, desde allí saldrían los trenes que junto con el subte (el primero es la línea A, de 1913) y el trazado de la avenidas principales cada cuatro cuadras fueron generando la estructura urbana de la ciudad.Tuvo su primera gran intervención urbanística con la apertura de la Avenida de Mayo en 1884 para crear su gran eje institucional y simbólico. En la segunda década del siglo XX se empezó la Diagonal Norte que comunica la Casa de Gobierno con el Palacio de Justicia y la Diagonal Sur, que debía comunicarla con la futura sede del gobierno municipal. Pero eso nunca sucedió: la obra quedó inconclusa.En la década del 30 comenzó otra operación urbanística importante, la obra de la Avenida 9 de Julio, el eje norte-sur que une Retiro con Constitución. Esta vez con un concepto de ciudad menos formalista y más atenta a las ideas funcionalistas.La tercera gran oleada fue la expansión del centro porteño en la urbanización de Puerto Madero. Un puerto que a poco de haber sido construido se mostró ineficiente y que por los años 90 se lo recicló construyendo una nueva postal porteña.Lo curioso es que sobre esta malla homogénea se han depositado como capas las más variadas y exóticas arquitecturas que reflejan las distintas colectividades que construyeron nuestra ciudad.En San Telmo todavía se puede recrear la escala de la vieja ciudad. Está bueno perderse entre sus calles empedradas, enmarcadas por casas bajas que alguna vez pertenecieron a la aristocracia porteña. También se pueden encontrar algunas construcciones que recuerdan lo poco que queda de arquitectura colonial. La Iglesia de San Ignacio, construida en 1710 en Bolívar 520 es la más antigua de la ciudad. Y llegando al Parque Lezama está la Iglesia Ortodoxa Rusa, que parece salida de un libro de cuentos.Sobre la Avenida de Mayo hay un popurrí de arquitecturas con las más diversas procedencias. Edificios neoclásicos de todo tipo, Art Nouveau y Art Déco, vigilados por el exótico faro del Palacio Barolo y jalonados a un lado por la imponente cúpula del Palacio del Congreso y al otro, por la Casa de Gobierno.La Boca es de lo más pintoresca. Además de estar allí su famoso estadio, todavía conserva los viejos y multicolores conventillos de chapa y el Transbordador (uno de los pocos que queda en pie en el mundo) para cruzar el Riachuelo. Del Riachuelo, ni que hablar: una de nuestras vergüenzas nacionales. Un río que bien podría jugar el papel del Sena o de la ría del Nervión (Bilbao), no es más que una inmensa cloaca a cielo abierto.Uno de los pocos accidentes que tiene la cuadrícula sucede en la zona del Cementerio de La Recoleta, una pequeña ciudadela amurallada cuyas bóvedas reproducen y sintetizan las adhesiones arquitectónicas que tuvo nuestra burguesía a través del tiempo. El cambio de dirección de la cuadrícula produce el espacio singular que caracteriza a la Plaza Francia y se derrama en una serie de plazas y parques que junto al eje de la avenida Del Libertador y Figueroa Alcorta, constituyen una de las vidrieras más elegantes de la ciudad. Allí se encuentran el Museo Nacional de Bellas Artes, el Palais de Glace, la Biblioteca Nacional, la Facultad de Derecho y también importantes monumentos como la Floralis donada por el arquitecto Eduardo Catalano.De ese lugar donde la ciudad cambia de dirección también sale la avenida Alvear, una especie de rincón parisino en Buenos Aires en el que se construyeron grandes mansiones en estilo Beaux Arts como el Palacio Duhau (hoy, un lujoso hotel), la Nunciatura, el Jockey Club y la Embajada de Francia, que por muy poco se salvó de la demolición cuando se abrió la Avenida 9 de Julio.Otro lugar interesante es Palermo Viejo (o Soho), ahora extendido hacia el llamado Palermo Hollywood. Allí se armó una movida que empezó en los años ´80 con el bar El Taller sobre la Plaza Serrano y el reciclaje de viejas casas chorizo con un estilo bien particular: “progre”, nacional y popular. Y que volvió a tomar impulso en los últimos años, pero ahora dando lugar a la tendencia del diseño.

* Editor General ARQ


Fuente: clarin.com

CON UNA ESCULTURA CELEBRAN EN CRIMEA
LOS 70 AÑOS DE LA CONFERENCIA DE YALTA

Monumento, con el líder soviético Stalin, el presidente estadounidense Roosevelt y el primer ministro británico Churchill, los tres líderes aliados en la conferencia de Yalta. Un nuevo monumento del escultor ruso Zurab Tsereteli es que se hará público en Crimea como parte de las celebraciones del 70 aniversario de la conferencia de Yalta 1945. AFP

Monumento, con el líder soviético Stalin, el presidente estadounidense Roosevelt y el primer ministro británico Churchill, los tres líderes aliados en la conferencia de Yalta.
Un nuevo monumento del escultor ruso Zurab Tsereteli es que se hará público en Crimea como parte de las celebraciones del 70 aniversario de la conferencia de Yalta 1945.

Foto AFP

UN JUEGO FOTOGRÁFICO REVELA CÓMO CAMBIÓ BUENOS AIRES

Pasado y presente en imágenes

En el sitio Buenos Aires, antes y después se exhiben fotos superpuestas de la Ciudad. La zona fotografiada aparece partida en dos mitades, en una se la ve tal cómo era décadas atrás y en la otra, cómo es ahora. El visitante puede jugar a ir descubriendo una u otra mitad de las fotografías.


Avenida Alem y Marcelo T. de Alvear (1890).
   Avenida Alem y Marcelo T. de Alvear (1890).
"Buenos Aires, antes y después".

Así se llama el proyecto fotográfico creado por el diseñador web Gastón de la Llana, quien ha jugado con el paso del tiempo y muestra cómo cambiaron algunos de los lugares más emblemáticos de la ciudad de Buenos Aires.
En el sitio del proyecto, se comparan fotos antiguas de archivo con imágenes actuales tomadas desde el mismo punto de vista. El fotógrafo amateur nos introduce en el túnel del tiempo y nos hace viajar a décadas pasadas y a descubrir cómo en 1890 era  el cruce de la Avenida Alem con Marcelo T. de Alvear. También podemos observar el ya desaparecido natatorio ubicado en Retiro o descubrir el aspecto de la esquina de Alem y Reconquista, donde hoy se encuentra el famoso restorán Asador Criollo.

   El Cabildo de Buenos Aires, 1930.



   Avenida Alem y y Marcelo T. de Alvear, en 1890.



   Alem y Reconquista, 1926.



De la LLana exhibe las fotos superpuestas. Inicialmente la zona fotografiada aparece partida en dos mitades, en una se la ve tal como era décadas atrás y en la otra, cómo es ahora. El visitante del sitio puede jugar con el cursor del mouse e ir descubriendo una u otra mitad de las fotografías en un juego que resulta revelador de los cambios que trajo el tiempo a cada lugar.

   Avenida de Mayo, 1915.



   Natatorio de Retiro, 1938.

Las imágenes históricas fueron extraidas  de diferentes organizaciones, como el Archivo General de la Nación o dirección de paseos y otras colecciones, y las actuales, tomdas por el mismo creador del sitio.


Fuente: clarin.com

HALLARON LA MOMIA DE UN MONJE
ADENTRO DE UNA ESTATUA DE BUDA

Descubrimiento científico en Holanda.

El cuerpo tiene casi mil años y fue detectado por una tomografía. Creen que fue parte de un rito de automomificación.
Prueba clave. La estatua china, durante la tomografía. En su interior está el cuerpo del monje Liuquan. MEANDER MEDICAL CENTER
   Prueba clave. La estatua china, durante la tomografía. En su interior está el cuerpo del monje Liuquan.  MEANDER MEDICAL CENTER

Debieron pasar casi mil años para que el secreto fuera develado. Una estatua china de Buda -que hoy es exhibida en Budapest como parte de una muestra de arte- resultó ser mucho más que una simple pieza de museo: en su interior se encuentra el cuerpo momificado de un monje budista. Su cadáver, estiman los investigadores, está encerrado en el interior de esta pieza desde los siglos XI o XII.
El trabajo fue realizado en el Meander Medical Center, ubicado en la ciudad holandesa de Amersfoort. Un grupo de científicos le practicó a la estatua una tomografía computada -que les permitió escanearla a través de rayos- , que luego fue completada con una serie de estudios con endoscopio.
El resultado los dejó con la boca abierta: advirtieron que en el interior de la estatua había una estructura esquelética que se correspondía con un cuerpo humano. Los radiólogos Raynald Vermeijden y Ben Heggelman, incluso, detectaron la presencia de pequeños trozos de papel que fueron impresos con caracteres chinos antiguos. Bajo la supervisión de especialistas del Museo Nacional, también tomaron muestras de materiales de las cavidades torácica y abdominal, que aún no han sido identificados.
La investigación fue liderada por el experto en arte y cultura budista Erik Bruijn, que fue especialmente invitado por el Museo del Mundo de Rotterdam. Los especialistas llegaron a la conclusión de que el cuerpo hallado es del maestro budista Liuquan, que pertenecía a la Escuela de Meditación china y que habría muerto entre 1050 y 1150. Esto pudo ser confirmado a través de muestras de material oseo, que fueron sometidas a análisis de ADN.
La hipótesis de los científicos es que Liuquan habría practicado la antigua tradición de automomificación, en la que los ascetas budistas seguían durante varios años un estricto y doloroso plan de ayuno, hasta llegar a una etapa final en la que meditaban en posición de loto hasta morir. Al cumplir ese rito, sus cuerpos eran conservados y eran venerados como "budas vivientes". Esta práctica  fue prohibida por China siglos más tarde.
El descubrimiento de la momia, detalló el Meandro Medical Center en su página web, es de gran importancia cultural, no sólo porque es único de su tipo, sino porque además es hasta el momento la única momia budista china que está disponible en Occidente para la investigación científica. En la actualidad se encuentra en el Museo Nacional de Budapest, en Hungría, donde será exhibida hasta mayo.


Fuente: clarin.com

LA SERENA BELLEZA DEL TEMPLO ARMENIO

Secreta Buenos Aires.

En la calle de Palermo que recuerda a la colectividad está la sede del credo cristiano que se identifica con San Gregorio.
Luz. La de los vitrales que le dan calma a la bella catedral de Palermo. (Hernán Rojas)
Luz. La de los vitrales que le dan calma a la bella catedral de Palermo. (Hernán Rojas)

Eduardo Parise

Suena contradictorio pero es una realidad: el edificio está hecho con una lujosa austeridad y eso se refleja tanto por fuera como en el interior. El secreto parece radicar en la luz natural que recibe sobre las paredes y que se cuela por los coloridos vitrales y la gran cúpula central que, con un diámetro de diez metros, alcanza los 35 metros de alto. La imponente catedral está en el barrio de Palermo y pertenece a la Iglesia Apostólica Armenia, una comunidad cristiana que tiene a los apóstoles San Judas Tadeo y San Bartolomé como sus primeros evangelizadores y, por lo tanto, como fundadores de la Iglesia Armenia.
Consagrada en 1938, la catedral está identificada con la figura de San Krikor (Gregorio), considerado por los armenios como “Lusarovich” (Iluminador) ya que consagró su vida “a difundir la luz del Evangelio” que habían llevado los apóstoles. San Gregorio El Iluminador fue el primer patriarca de la Iglesia Armenia y quien hizo construir la Catedral de San Echmiadzin, aún existente en ese país. Esa catedral es el equivalente a lo que significan San Pedro y El Vaticano para los católicos y es la sede del patriarca Karekin II, máxima autoridad. El altar de la iglesia de Palermo (Armenia 1353) es justamente una réplica en miniatura de esa catedral.
La de Buenos Aires se comenzó a construir en 1937 en base a un proyecto del arquitecto Arslan, quien usó elementos propios de la arquitectura religiosa armenia. Es decir: una gran nave sin columnas en el medio, donde tanto la cúpula como el techo con arcos se apoyan sobre las paredes laterales. En esas paredes hay columnas estilo dórico y cada una tiene tallada la cruz armenia, un símbolo del arte del país. La cruz se denomina Jachkar (jach significa cruz y kar, piedra) y comenzó a esculpirse sobre granito desde el año 301, en los tiempos de la conversión del rey Tiridates III, a instancias de San Gregorio. Se la implantó sobre antiguos ritos paganos. Dicen que en Armenia se las encuentra en todo el territorio.
Para entrar a la catedral (de unos 70 metros de largo por 20 de ancho) hay que subir una gran escalera de mármol blanco. Se accede por una puerta hecha en roble, igual que las laterales, los bancos y la balaustrada que antecede al altar. Adentro se destacan tres grandes arañas con sus brillantes caireles. A la derecha de la entrada hay un pequeño altar donde cada concurrente enciende una vela en homenaje a su nacionalidad y a sus antepasados. Sobre la izquierda, otro altar también es importante: en una pequeña urna se guarda como reliquia un hueso de San Judas Tadeo. En el mármol y en la pequeña puerta están talladas las simbólicas jachkar.
Un párrafo aparte merecen las pinturas en las paredes de toda la catedral. Entre ellas están las imágenes de San Pedro y San Pablo, los evangelistas Juan, Marcos, Mateo y Lucas y, obviamente, el retrato de San Gregorio. El tambor de la cúpula está rodeado por doce óleos que representan momentos de la vida de Jesús. Todas las pinturas fueron realizadas por Baltasar Ayvazian, un hombre nacido en 1896 y que llegó a la Argentina en 1923. Ayvazian sobrevivió a una masacre ocurrida en Cilicia en 1909 y al gran genocidio cometido por los turcos en abril de 1915 (en un par de meses, en el mundo y en Argentina, se recordará el centenario de ese trágico hecho en el que fueron asesinados un millón y medio de armenios).
Además de la catedral del culto armenio, en Palermo está la sede del Arzobispado (desde 1990 el arzobispo primado para Argentina y Chile es Kissag Mouradian; reside en el país desde 1975), el Centro Armenio y la Sala Siranush, un teatro de los años 50, muy bien restaurado. También en el lugar se cumple otra tradición de los colegios armenios: los viernes las madres de los alumnos preparan comida típica para que la disfruten quienes van al lugar. La recaudación sirve para los gastos del viaje de egresados, cuando los alumnos visitan Armenia. Pero esa es otra historia.


Fuente: clarin.com

LOS LIBROS DE LA BUENA MEMORIA CINÉFILA

CINE › MAS ALLÁ DEL OLVIDO Y FOTOGRAMAS DE LA MEMORIA, CON LOS RECUERDOS DEL CINE ARGENTINO CLÁSICO
Guillermo Russo y Andrés Insaurralde recopilan en dos tomos las miradas de casi un centenar de protagonistas de la época de los estudios, mientras que Rafael Valles realiza una larga entrevista de más de trescientas páginas a José Martínez Suárez.



Por Horacio Bernades

El cine argentino recupera la memoria. El cine argentino clásico, más exactamente. Eso hacen pensar las recientes ediciones de sendos libros de entrevistas con representantes de ese período, que se conviene en fechar entre comienzos de los años ’30 y mediados de los ’50. En un caso, la memoria se tiende más atrás, hasta casi los comienzos de la época muda. En otro hace el movimiento contrario, llegando hasta los años ’60 y más acá. Publicado por Amerian Ediciones, producido con coordinación general de la Fundación Aldea de las Luces y escrito por los especialistas Guillermo Russo y Andrés Insaurralde, Más allá del olvido recopila, en dos tomos y cerca de mil páginas, entrevistas con casi un centenar de protagonistas de la época de los estudios. Editado por el Incaa y la escuela que de esa institución depende, la Enerc, Fotogramas de la memoria es, en cambio, una larga entrevista de más de trescientas páginas con José Martínez Suárez, que empezó haciendo de “pibe de los mandados” en los legendarios estudios Lumiton, hace la friolera de setenta y cuatro años. Al día de hoy, pisando los 90 y tras una apreciada carrera como realizador, el hermano mayor de Mirtha Legrand y ex cuñado del gran Daniel Tinayre preside el Festival de Cine de Mar del Plata.
El proyecto de Russo e Insaurralde comenzó a fines de los ’70, cuando ambos se conocieron trabajando en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken: se propusieron documentar mediante una cabalgata de entrevistas la historia entera del cine argentino de los estudios. El entrevistado más veterano de Más allá del olvido es el español Julián de Ajuria, que en 1909 produjo La Revolución de Mayo, primer largo de ficción del cine argentino. La más mocita, la maquilladora Blanca Olavego, que nació en 1928, debutó veinte años más tarde y trabajó por última vez en La historia oficial. “Entrevistamos a todos los que pudimos localizar”, recuerdan Russo e Insaurralde. “No excluimos a nadie. Los que no están es porque ya no estaban, o no estaban bien de salud, o eran inhallables. Alguno que otro se negó, por los motivos que fueran. Fue un trabajo arduo, no sólo de búsqueda de los entrevistados sino de archivo. En esa época no existía el VHS y la única forma de revisar las películas era a través de las copias fílmicas que circularan, muchas de las cuales obviamente no estaban en las mejores condiciones. Algunas formaban parte del catálogo del propio Museo, muchas otras hubo que rastrearlas entre coleccionistas privados.”
En Más allá del olvido se dejan oír las voces de Delia Garcés, Angel Magaña, Francisco Petrone, Raúl Thorry, Olga Zubarry, Elena Lucena, Eva Franco y Roberto Escalada, entre los actores; el propio Del Carril, Lucas Demare, Carlos Hugo Christensen, Daniel Tinayre, Hugo Fregonese, Luis Saslavsky, entre los realizadores; el productor Atilio Mentasti y técnicos tan notables como los directores de fotografía Américo Hoss o Antonio Merayo, los escenógrafos Raúl Soldi o Saulo Benavente, los músicos Sebastián Piana y Tito Ribero, el montajista Raúl Garate y, faltaba más, el vestuarista Paco Jamandreu.
Muchos de esos nombres reaparecen, claro, en Fotogramas de la memoria, cuyas entrevistas están curiosamente a cargo de un especialista brasileño. Se trata de Rafael Valles, que llegó a Buenos Aires una década atrás con la intención de estudiar cine. “En esa circunstancia di con un taller que me parecía muy insólito por sus métodos y del que tenía excelentes referencias, como que allí había estudiado gente como Lucrecia Martel, Juan José Campanella o Pablo Trapero”, recuerda Valles. “Era el Taller MS, que dirigía Martínez Suárez y donde se trabajaba en forma individual la elaboración de un corto, desde la etapa de guión y con la guía de José. Fue un verdadero descubrimiento para mí.” Veterano de aquel cine argentino de la industria, miembro de la generación del ’60 (con películas como El crack y Dar la cara), maestro de varias generaciones, cinéfilo de vasta erudición y memoria elefantiásica, presidente del Festival de Mar del Plata desde hace un lustro, el múltiple Martínez Suárez es, como no ignora quien lo haya tratado, un magnético narrador oral, dueño de un infrecuente y sofisticado sentido del humor.
¿El entrevistado perfecto? Fotogramas de la memoria permite salir de dudas. “En 2011, José aceptó la propuesta con dos condiciones”, afirma Valles. “Una era que yo tenía que saber más de él que él mismo, y otra que tratase de entrevistar también a quienes lo discutían o cuestionaban, para que el resultado no fuera una celebración de su personalidad.” Esta última es, sin duda, una diferencia con Más allá del olvido. En Fotogramas de la memoria, Martínez Suárez habla de sus primeras experiencias con el sonoro en el cine de Villa Cañás, provincia de Santa Fe, cuando esperaban la llegada de la camioneta que traía los rollos; de los estudios Lumiton, donde el gran Manuel Romero daba el último corte subido a su auto, de apurado que estaba siempre; de cuando fue asistente de Torre Nilsson (El protegido, 1956); de los tiempos en que se colaba en cineclub pionero Gente de Cine, para ver y rever películas como El ciudadano o Ladrones de bicicletas; de su amistad con Fernando Birri, Rodolfo Kuhn y David José Kohon, entre otros miembros de la generación del ’60. Y llega hasta épocas más recientes, por supuesto.
“Su convicción de cinéfilo entusiasta se instala en todos los interlocutores como un deseo impostergable”, señala en el prólogo de Fotogramas de la memoria David Oubiña, reconocido estudioso y ensayista, ex alumno también del Taller MS. “No sólo películas: también libros, personas, obras de teatro, lugares. Como un mecenas impenitente que nunca se cansa de hacer donaciones, Martínez Suárez no puede aguantarse y en seguida se pone a repartir su patrimonio afectivo.” Eso es Fotogramas de la memoria: el patrimonio afectivo y existencial de José Martínez Suárez, repartido a lo largo de 352 páginas.


Fuente: pagina12.com.ar

"UNA HORA, UNA OBRA":
APRENDER SOBRE ARTE EN LOS TIEMPOS DE LA INMEDIATEZ

La Asociación de Amigos del MNBA presenta una nueva forma de conocer secretos de la pintura en sólo sesenta minutos
http://www.mnba.gob.ar/img/coleccion/obra/alta/1777.jpg
Sin pan y sin trabajo, de Ernesto de la Cárcova.


Por María Manuela Ántola / LA NACIÓN


En una hora un colibrí aletea unas 198.000 veces y el corazón de un ser humano late, en promedio, 4166. Se calcula que una persona puede fumar unos 20 cigarrillos o atravesar la ciudad de Buenos Aires de Norte a Sur en colectivo en esa misma cantidad de tiempo. Y, según la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes (Aamnba), también podés aprender sobre la historia del arte en "Una hora, una obra", una serie de encuentros que tendrán lugar en este mes y para los que no es necesario tener conocimientos previos. La idea parece interesante, pero ¿cuánto se puede aprender realmente en una hora?
-¡Qué alegría ver tanta gente interesada un sábado a la mañana!
Son las 10. Diecinueve personas están acomodadas en una de las aulas del primer piso de la Aamnba para conocer sobre la obra Sin pan y sin trabajo, de Ernesto de la Cárcova. María Lía Munilla Lacasa se presenta: licenciada en artes y especialista en arte argentino de los siglos XIX y XX.
A las 10.10, 28 personas escuchan a Munilla. Después de explicar que basó la clase en el libro Los primeros modernos, de Laura Malosetti Costa, hace un recorrido histórico sobre las primeras instituciones dedicadas al arte en la Argentina. Conocemos los inicios de la Escuela Ernesto de la Cárcova, el Museo Nacional de Bellas Artes y la Universidad Nacional de las Artes. Minutos después, habla de los artistas de la generación del 80: Sívori, Schiaffino, De la Cárcova y Ballerini.
Vemos por primera vez una fotografía de Sin pan y sin trabajo a las 10.30. También La sopa de los pobres, de Giudici, y El despertar de la criada, de Sívori. Y obras de artistas extranjeros de la época como Pobres gentes, de André Collin. La obra de De la Cárcova parece no escapar a su contexto.
Diez minutos después, Munilla se explaya sobre los "detalles deliberadamente mal hechos" de la obra y su intencionalidad expresiva: la exagerada curvatura de la espalda del hombre retratado, la falda desproporcionada de la mujer y la extraña perspectiva de la mesa.
El reloj marca las 10.50. Sobre la pantalla blanca se proyecta el boceto hecho por De la Cárcova en Europa. Munilla hace hincapié en las significativas diferencias con la pintura final. Se ve a lo lejos una fábrica de chimeneas humeantes: la fábrica no está en paro mostrando un drama colectivo, sino que el hombre está desempleado y levanta el puño en señal de protesta. En la versión definitiva, corre con esa mano la cortina y es la otra mano la que se cierra en un puño expresando impotencia.
Munilla cuenta que pese a que De la Cárcova simpatizaba con el socialismo, cuando la obra fue expuesta en el Salón Nacional, recibió críticas muy severas del diario La Vanguardia, que lo tildó de "artista burgués que se sirve del dolor del pueblo para admiración de los oligarcas". "Es la única obra de De la Cárcova sobre denuncia social", afirma Munilla y pasa a mostrarnos otras obras del artista, que ella cataloga como "obras de estilo impresionista con flores o retratos de señoras bien". A continuación, vemos fotos de la Feria Internacional de St. Louis, Estados Unidos, en 1904, donde la obra ganará la máxima distinción.
Son las 11.09. Nadie tiene preguntas. La gente empieza a irse salvo dos personas: una mujer que está decepcionada por el resto del trabajo pictórico de De la Cárcova y un hombre que está asombrado porque no puede creer que en una hora haya podido aprender algo.



Fuente: lanacion.com

ESTAFADORES ESTAFADOS:
UN GOYA FALSO EN UNA CADENA DE FALSEDADES

Dos hermanos vendieron una supuesta pintura del pintor español a un jeque, que abonó 1,7 millones de francos en billetes fotocopiados


La historia podría haber sido una novela intrincada o una especie de alegoría moral que admitiría resumirse del siguiente modo: quien fue estafado, estafó y volvió a ser estafado. A los hermanos Jaume y Joan Font les llevará un buen tiempo comprender cuál es la moraleja de sus fallidas peripecias en el mercado del arte, que terminaron al recibir 1,7 millones de francos (equivalentes a 1,1 millones de euros) en billetes fotocopiados a cambio de una falsa pintura de Goya.
La trama se remonta a 2003. Fue entonces cuando los hermanos Font acordaron adquirir por 270.000 euros Retrato de Antonio María Esquivel, un cuadro de 80 por 60 centímetros pintado presuntamente por Goya. Pagaron un anticipo de 20.000 euros al fotógrafo Ramón Calvet, que lo había adquirido en una casa de subastas. Esperaban un certificado de autenticidad. En el contrato de compraventa habían acordado que, en el caso de que el cuadro fuera auténtico, pagarían 250.000 euros más. Aunque Calvet había entregado a los dos hermanos informes que acreditaban la autenticidad, en 2006 la Audiencia de Girona determinó que la obra era falsa.
Lo curioso de toda esta historia es que ningún experto en cuestiones de estilos había confundido jamás el Retrato de Antonio María Esquivel con un Goya auténtico. Como sea, tras un juicio se quedaron con el cuadro, pero sin los 20.000 euros de anticipo. Doce años más tarde, decidieron vengarse.
Jaume y Joan Font parecen haber creído que no sería muy difícil encontrar otro comprador tan incauto e inexperto. Después de todo, si ellos habían sido crédulos, por qué no también otros. Con la misma falsa documentación con la que Calvet los había convencido, entraron en contacto con un jeque árabe que, según el informe publicado por el diario El País, pretendía vender la obra en Asia. Las cosas iban bien, aunque había algunos requisitos, el principal de todos pagarle a un intermediario 300.000 euros en concepto de comisión. Siempre según El País, en diciembre del año pasado quedaron con el misterioso mediador en Turín y pidieron prestado a un empresario amigo esos 300.000 euros. La idea era devolverle 380.000. Viajar aTurín con ese efectivo no era muy prudente y decidieron que el empresario entregaría, en Girona, los 300.000 euros a un enviado por el intermediario. Antes de la Navidad, los hermanos llegaron a Turín con los documentos falsos. Allí el mediador artístico dio por buenos los informes y les entregó los 1,7 millones de francos suizos. Los Font dieron los 300.000 euros al enviado.
Pero los francos suizos del intermediario eran simples fotocopias. Los hermanos se enteraron de ese detalle cuando intentaron depositar el supuesto dinero en un banco de Ginebra. De vuelta a España, la policía los interceptó con los billetes falsos. El hilo de la historia los condujo finalmente al cuadro. El enigma sigue siendo el jeque y el destino de los 300.000 euros. Peripecias de los cazadores cazados.



Fuente: lanacion.com

LOS MÁS LINDOS TEATROS DE ÓPERA DEL MUNDO

Imperdibles imágenes de los mejores teatros de ópera del mundo, que obviamente incluyen a nuestro Teatro Colón de Buenos Aires.



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By Pablo Fiorentini



Fuente: cienradios.com

LEGADO: PRINCETON Y LA MAYOR DONACIÓN DE SU HISTORIA



Princeton University, la Little Hall Tower.

Legado

Incluye seis Biblias de Gutenberg y valiosos manuscritos

La Universidad de Princeton, famosa por sus archivos, recibió la donación más valiosa y extraordinaria de su historia: 2500 volúmenes muy raros y varios manuscritos cuyo valor total asciende a alrededor de 300 millones de dólares. Pero entre ese legado hay piezas de un significado que excede cualquier cálculo monetario; las más impresionantes de ellas son las seis primeras ediciones impresas por Gutenberg de la Biblia, incluyendo la de 1455.
La colección perteneció a William H. Scheide, músico, musicólogo, bibliófilo y filántropo, ex alumno de Princeton, que hizo la donación antes de morir, a los 100 años, en noviembre de 2014.
La biblioteca de Scheide se encontraba alojada ya desde 1959 en la Princeton's Firestone Library, cuando Scheide la mudó de su casa de Titusville, Pensilvania. Entre otros tesoros, la colección incluye, aparte de las seis Biblias, la edición original de la Declaración de la Independencia de Estados Unidos; un autógrafo de Beethoven fechado entre 1815 y 1816 -el único fuera de Europa-; una edición de obras de Shakespeare de 1623, siete años después de su muerte, y manuscritos de Bach, Mozart, Franz Schubert y Richard Wagner. El presidente de Princeton, Christopher L. Eisgruber, calificó el legado recibido como "unas de las mayores colecciones de libros y manuscritos raros del mundo".

Una vida singular

La colección reunida por Scheide constituye en realidad una tarea de 150 años que comprendió varias generaciones de su familia.
Fue William Taylor Scheide, el abuelo de William H., quien inició colección hacia 1865, cuando tenía 18 años, y la continuó luego su hijo, John Hinsdale Scheide. Scheide continuó construyendo la colección familiar hasta poco antes de su muerte con la ayuda de su esposa, Judy M. Scheide. "Esta colección es el cumplimiento de los sueños de tres generaciones de hombres de libros", dijo. "Que residan en Princeton es un testimonio de la generosidad de Bill. Sus momentos más felices eran cuando mostraba las obras a la gente, especialmente a los jóvenes."
Scheide era también un hombre de compromiso social. Financió el grupo de derechos civiles National Association for the Advancement of Colored People, que planteó la famosa demanda Brown vs. Junta de Educación de la ciudad de Topeka (Kansas), hito judicial que en 1954 marcó el inicio del fin de la segregación racial en las escuelas de Estados Unidos. Fue también músico y obtuvo una maestría en esa materia en la Universidad de Columbia.


Fuente: lanacion.com

SALIERON A BUCEAR
Y ENCONTRARON UN INMENSO TESORO EN MONEDAS DE ORO

Cesárea, Israel
Se trata de unas dos mil monedas de oro de mil años de antigüedad. Es el tesoro numismático más importante descubierto en Israel.
Monedas de oro encontradas en Israel
Monedas de oro encontradas en Israel. (EFE)
Buceadores acaban de descubrir en el fondo del puerto antiguo de Cesárea, en la costa mediterránea, dos mil monedas de oro de mil años de antigüedad que constituyen el tesoro numismático más importante descubierto en Israel, anunció ayer la Autoridad Nacional de Antigüedades.
Los miembros de un club de buceo hicieron el descubrimiento por casualidad, después de que unas tempestades removieran los fondos marinos del puerto antiguo de Cesárea (noroeste de Israel).
Al principio creyeron que se trataba de fichas de un juego y salieron de su error cuando recogieron varias monedas, indicó la autoridad. Entonces, los casuales descubridores avisaron al director del club de buceo al que pertenecen, que a su vez informó a las autoridades.
Los buceadores detectaron unas 2.000 monedas de dinares, medios dinares y cuartos de dinar, la más antigua acuñada en Palermo (Sicilia) en la segunda mitad del siglo IX. La mayor parte de las monedas remontan a dos califas fatímidas que reinaron de las postrimerías del siglo X al primer tercio del siglo XI en un territorio que cubre gran parte de África del Norte, Sicilia y parte de Cercano Oriente.




En excelente estado de conservación a pesar de los mil años en el fondo del mar, las monedas no necesitaron una limpieza, indica Robert Cole, experto en numismática. Algunas tienen huellas de mordeduras, que muestran que sus dueños comprobaron su calidad con los dientes. Otras parecen haber recibido golpes.
Las piezas provienen quizás del naufragio de un barco que transportaba la recaudación por impuestos destinada al Gobierno central en Egipto, aventura Kobi Sharvit, director de la unidad de Arqueología Marina de la Autoridad de las Antigüedades. O bien, el dinero estaba destinado a pagar los sueldos de la guarnición que defendía Cesárea. Otra opción es que el dinero perteneciera a un rico mercader cuyo barco negociaba con los puertos mediterráneos antes de zozobrar. La Autoridad espera que el estudio del contexto permita conocer más detalles.
La dinastía fatímida pasa por haber sido fabulosamente rica, según la Autoridad de las Antigüedades. Su advenimiento coincidió con una renovación del comercio marítimo en el este de la cuenca mediterránea. Cesárea, construida por el rey Herodes I de Judea el siglo I AC, y otras ciudades portuarias se desarrollaron con la dinastía. El comercio entre musulmanes y cruzados prosperó en tiempo de paz sin cesar en tiempos de guerra, indicaron los especialistas.
Los vestigios importantes de las épocas romana y medieval hacen de Cesárea una de las grandes atracciones turísticas de Israel.

Fuente: clasrin.com / AFP.

OTORGARON LOS PREMIOS WORLD PRESS PHOTO 2015

World Press Photo. 2015 “Jon Y Alex”, la imagen con la que el danés Mads Nissen ha ganado la máxima distinción del fotoperiodismo mundial. Jon, de 21 años, y Alex, de 25 años, una pareja gay, durante un momento íntimo. La vida para las personas lesbianas, gays, bisexuales o transgénero (LGBT) es cada vez más difícil en Rusia. Las minorías sexuales se enfrentan a la discriminación legal y social, el acoso y los ataques de crimen de odio, incluso la violencia por parte de grupos religiosos y nacionalistas conservadores.MADS NISSEN /Mirá toda la fotogalería en hd

World Press Photo. 2015

“Jon Y Alex”, la imagen con la que el danés Mads Nissen ha ganado la máxima distinción del fotoperiodismo mundial. Jon, de 21 años, y Alex, de 25 años, una pareja gay, durante un momento íntimo. La vida para las personas lesbianas, gays, bisexuales o transgénero (LGBT) es cada vez más difícil en Rusia. Las minorías sexuales se enfrentan a la discriminación legal y social, el acoso y los ataques de crimen de odio, incluso la violencia por parte de grupos religiosos y nacionalistas conservadores.


Fuente: clarin.com

ANNEMARIE HEINRICH:
EL LADO DESCONOCIDO DE LA GRAN FOTÓGRAFA

De la serie de autorretratos con esfera encontrados en noviembre pasado  Foto: MUNTREF
De la serie de autorretratos con esfera encontrados en noviembre pasado. Foto: MUNTREF
 
Por Natalia Blanc / La Nación

Al fondo del estudio de la avenida Callao al 1400, donde Annemarie Heinrich trabajó hasta el final de su vida, se conserva un enorme tesoro: más de 16.000 piezas fotográficas tomadas desde la década de 1930 en adelante. Alicia y Ricardo Sanguinetti, hijos también fotógrafos de la gran retratista alemana nacionalizada argentina, firmaron un convenio con la Universidad de Tres de Febrero para que el Instituto de Investigaciones en Arte y Cultura Dr. Norberto Griffa sea el organismo encargado de preservar y digitalizar el valioso archivo legado por su madre. De ese acuerdo surgió un trabajo en colaboración que continuará por varios años. Como resultado de la primera etapa, con alrededor de 1700 fotografías ya catalogadas, el equipo a cargo de Diana Wechsler seleccionó cien imágenes, que se exhiben al público en la muestra Estrategias de la Mirada: Annemarie Heinrich, Inédita. Esas fotos y otras que quedaron fuera de la exhibición se publicarán en un libro, que saldrá en abril, junto con textos teóricos que revelan las facetas menos conocidas de la fotógrafa.
El material reunido en la muestra, que continuará en la sede Caseros 1 del museo de la Untref hasta el 7 de junio (Valentín Gómez 4838, con entrada gratuita), integraba un conjunto de negativos de formato 6 x 6 hallados en su archivo. Allí también aparecieron manuscritos en español y en alemán, carpetas de recortes, manuales de estilo y de técnica armados por la propia Heinrich, registros de viajes, tomas descartadas de sus famosos retratos de artistas y muchísimo trabajo de experimentación en el laboratorio llevados a cabo entre las décadas de 1930 y 1950.
"Este proyecto surgió a partir de mi interés por la obra de Annemarie, en especial por sus trabajos de experimentación con las luces y los reflejos en su serie de autorretratos, donde se advierte que tenía una estrategia de la mirada", explica Wechsler.

Sus viajes por América latina, un eje de la muestra. Foto: MUNTREF
Al comenzar a estudiar el archivo personal de la fotógrafa, la investigadora encontró material que ni sus hijos conocían. "Ellos lo habían guardado íntegramente: son más de 16.000 piezas, sólo contando las placas fotográficas y los negativos. Hay mucho más en contactos, cuadernos, carpetas. Es un material muy valioso para la historia de la fotografía en general y de la Argentina en particular, que parece querer explicar por qué fue una gran retratista. Ella hizo un constante trabajo de experimentación en su estudio, que abrió un camino enorme para la disciplina."
Para digitalizar el material, el Instituto de Investigaciones en Arte y Cultura de la Untref consiguió un subsidio de la British Library de Londres, que tiene un programa llamado Archivos en Peligro. El convenio también incluye la posibilidad de que las fotografías circulen por la Web y que integren redes de consulta internacionales como la de la propia biblioteca inglesa y el Museo Reina Sofía, de Madrid. Al mismo tiempo, la Universidad de Tres de Febrero se mantiene en conversaciones con el museo Jeu de Paume, de París, para que aloje la muestra en 2017.


Una mirada sobre el mundo privado

La intimidad de Heinrich, en carpetas con anotaciones personales. Foto: MUNTREF
En la sala "La intimidad del taller, la intimidad del archivo" está el material personal que refleja el trabajo de Heinrich en su estudio: carpetas con contactos y anotaciones, fichas técnicas de cada toma, el proceso paso a paso.
Cuenta Wechsler: "Cuando Annemarie ya era bastante mayor, en los años 80, comenzó a hacer una especie de manual de estilo y de técnicas: armaba la secuencia, anotaba la cantidad de tomas y de superposiciones que hacía para lograr la imagen final". Al dorso de algunas de las fotos exhibidas se ve su letra manuscrita con especificaciones. "No hay copia", escribió con lápiz negro al costado de algunas; "Bebé feliz" se lee al lado de un retrato de un chico de pocos meses que sonríe.
"Nos sorprendió muchísimo la cantidad de carpetas que encontramos y cómo las clasificaba: hay carpetas de exposición, donde registraba cómo imaginaba el posible montaje de la muestra. Allí conservaba el afiche, la carta de invitación, recortes. Eso la muestra pensando sus imágenes y atesorando su propio material", agrega la investigadora.
En otros folios armaba manuales de técnicas fotográficas que hoy pueden leerse como una breve historia de la disciplina. Hay artículos de revistas especializadas, cuadernillos de instrucciones que venían con las cámaras, textos que ella escribía a partir de sus experimentaciones. Para mostrar al público joven que ya en los años cuarenta existían equipos portátiles, en la sala se exhibe uno que perteneció a Heinrich con su estuche original de cuero. Allí también guardaba un fotómetro.
"Las carpetas de contactos nos sirvieron para identificar los trabajos. Incluyen experiencias en el taller y mucho de sus viajes por América latina. Ella sacaba fotos como registro de sus viajes y también como un hobby. Hay algunas imágenes que la muestran en las redes de los artistas e intelectuales contemporáneos: Carlos Alonso, Policastro, Berni, Spilimbergo. En 1934 fue la primera en tomar registro del Ejercicio plástico, el mural de Siqueiros. Otras fotos también funcionan como documentos de época: pintadas en las calles del movimiento de resistencia peronista después de la caída de Perón en el 55. Suponemos que los sacó como documento", continúa Wechsler.
En la exhibición no faltan reproducciones de sus primeras publicaciones en la revista Sintonía, de 1936, y de La novela semanal, de 1933, donde se encargaba de las producciones de moda. Finalmente, como guiño al público que conocía su faceta de retratista de artistas, se incluyeron retratos de actores como Norman Briski, Graciela Borges, Palito Ortega, Andrea del Boca y las trillizas de oro en la infancia. Su último trabajo, de 1995, un collage armado a mano con piezas de fotos de distintos momentos de su vida (de su infancia en Alemania a fotos familiares) tiene un lugar destacado al final del recorrido.
La serie completa de autorretratos con su imagen reflejada en una esfera fue una sorpresa de último momento. En noviembre pasado, dos semanas antes de la inauguración de la muestra, aparecieron en el archivo. Sus hijos, que integran el equipo de investigación como consultores permanentes y conocen desde detalles técnicos hasta anécdotas del trabajo de su madre, se sorprendieron tanto como los investigadores. Al ver la variedad de tomas que había probado Heinrich lo primero que dijeron fue: "Ahora entendemos por qué Annemarie pasaba tantas horas encerrada en su estudio".

Una pionera que experimentó en el laboratorio

annemarie heinrich

(Alemania, 1912- Buenos Aires, 2005)
Origen
Nacida el 9 de enero de ?1912 en Darmstadt, Heinrich pasó casi toda su vida en la Argentina, adonde llegó a sus 12 años
Retratos pintados
Fotografió grandes figuras del Teatro Colón, estrellas de cine y televisión de los años 30 y 40. Pintados a mano, los retratos ilustraban las tapas de Radiolandia
Referente
Fundó la Carpeta de? los Diez, del Consejo Argentino de Fotografía, y ?fue directiva de la Asociación de Fotógrafos Profesionales
Nuevas técnicas
A lo largo de su carrera realizó una serie de desnudos artísticos y experimentó con técnicas como la sobreexposición y la repetición.


Fuente lanacion.com